Memorias de un cinéfilo sarnoso

Las horas: La lenta agonía de vivir

2006-12-19T07:57:00.000-08:00

Dirección: Stephen Daldry

Guión: David Hare

Fotografía: Seamos McGarvey

Edición: Meter Boyle

Música: Philip Glass

Intérpretes: Nicole Kidman, Julianne Moore, Maryl Streep, Ed Harris, Claire Danes.

Duración: 114 min.

Origen: Estados Unidos, 2002.

Quería escribir sobre todo. Todo lo que sucede en un momento. Como lucían las flores cuando las llevabas en los brazos. Como huele esta toalla, como se siente. Este hilo. Todos nuestros sentimientos, los tuyos y los míos. La historia de eso. Quienes fuimos en algún momento. Todo en el mundo. Todo mezclado. Todo está mezclado ahora. Y fallé.

Con afecto para la Trompetista de Falopio

Tres mujeres. Tres historias marcadas por la tragedia contenida. Tres mujeres enfrentadas a la decisión y un destino que no existe. Tres mujeres luchando por sostener un mundo que se desploma de manera inexorable. Tres mujeres aferrándose a las pocas cosas que les llenan la vida y eludiendo los demonios de la locura. Tres mujeres que son todas las mueres en todas las épocas, en todo momento, en cada habitación, en cada calle, en cada esquina. Tres historias que desgarran sin compasión.

Las horas nos presenta tres historias sobre mujeres que, aunque transcurren en épocas distintas, nos presentan a personajes marcados por la tristeza y la desesperación. En 1923 Victoria Wolf (Nicole Kidman) lucha con una enfermedad mental mientras intenta escribar lo que a la postre seria su obra más conocida, la Sra Dalloway. En 1951 Laura Brown (Julianne Moore) es una ama de casa que descubre el enorme desprecio que le causa su vida hogareña sintiendo el impulso de acabar con su vida. Por último, en el año 2000, Clarissa Vaughn (Meryl Streep), es una editora de libros que intenta ayudar a un escritor enfermo de SIDA, organizando una fiesta para que este celebre el haber obtenido un prestigiado premio literario, premio que le resulta totalmente indiferente ante la certeza de una muerte atroz.

Profundamente conmovedora, esta cinta es totalmente atípica en el marco de su compañía productora (Miramax). Cada uno de los elementos conjuntados en esta película ayudaron a crear algo que cada vez se puede ver menos, un filme inteligente y emotivo. Ideal para los que, como yo, en estas épocas decembrinas, les da por sentirse miserables.

Utamaro y sus 5 mujeres: La búsqueda de la belleza

2006-11-29T08:02:00.000-08:00

Dirección: Kenji Mizoguchi

Guión: Yoshikata Yoda

Fotografía: Minoru Miki

Música: Tamezo Mochizuki

Edición: Shintaro Miyamoto

Intérpretes: Minosuke Bando, Kinuyo Tanaka, Cotarro Bando, Hiroko Kawasaki, Toshiko Iizika

Origen: Japón, 1946

Duración: 89 min.

*

Nunca he pintado sobre el cuerpo de una mujer. Tu piel será el mejor lienzo.

Realmente son muy afortunados porque podrán acompañarte siempre. Y cuando tu llores, ellos llorarán contigo. Y cuando rías, se alegrarán contigo.
(Utamaro después de pintar sobre la espalda de una geisha)

*

Si bien poco o nada puede decirles a mis lectores el nombre de Kenji Mizoguchi, decidí hacer una breve reseña de esta cinta ya que, además de ser una obra de un indudable valor histórico (fue uno de los primero filmes producidos en Japón después de la II Guerra Mundial) representa además uno de los films más importantes del cine japonés de todos los tiempos.

La obra de Mizoguchi es prácticamente desconocida de este lado del planeta principalmente porque, después de la guerra, el 75 por ciento de sus films fueron destruidos por la fuerza de ocupación norteamericana. A pesar de ello, algunas de sus cintas han sido recuperadas en video y en dvd, aunque en condiciones muy lamentables. De hecho, la única cinta que se encuentra disponible en este momento es justo esta que estoy reseñando.

Utamaro y sus 5 mujeres es un retrato de la vida cotidiana de un pintor en una pequeña provincia de Japón, particularmente sobre su obsesión con el cuerpo femenino y su belleza. Al dedicarse primordialmente al bijin-e (retratos de geishas), Utamaro creó

una serie de retratos maravillosos que, en su momento, funcionaban como la publicidad que hoy se reparte en tarjetas que dicen foto real.

Hay una escena de una fuerza y delicadeza extraordinarias en la que Utamaro realiza un dibujo en la espalda de una Geisha como guía para un tatuador. La pasión al realizar esta tarea es un ejemplo maravilloso no solo de la devoción del artista por su trabajo, sino además del profundo respeto por mujeres que, en el trágico mundo de la prostitución, eran desechadas de manera continua para dar paso a mujeres cada vez más jovenes..

Como nota final, es importante señalar que esta cinta fue realizada bajo una estricta supervisión de las fuerzas invasoras para evitar que hubiera cualquier tipo de temática que contradijera la ideología del american way of life.

Interesados, comuníquense.

Mis películas favoritas...

2006-11-24T08:35:00.000-08:00

Mis estimados lectores:

Hoy quiero compartirles mi "top ten" personal de las películas que más me han gustado en el transcurso de mi sarnosa afición por el cine. No están en un orden particular pero, en mi humilde opinión, son cintas indispensables para todo aquel que crea que el cine es más calido quela vida.

Casablanca - Michael Curtiz

Rumble Fish - Francis Ford Coppola

Betty Blue - Jean-Jaques Beineix

Taxi Driver - Martin Scorsese

Los 400 golpes - Francois Truffaut

El Sacrificio - Andrei Tarkovsky

Posession - Andrezej Zulawski

Punch Drunk Love - P-T. Anderson

Paris, Texas - Wim Wenders

Wings of desire - Wim Wenders

Si te interesa algún título, comúnicate.

Jules and Jim: Elegir es renunciar pero también es morir

2006-11-24T06:22:00.000-08:00

Dirección: Francois Truffaut

Guión: Francois Truffaut

Música: George Delerue

Fotografía: Raoul Coutard

Edición: Claudine Bouche

Intérpretes: Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre, Marie Dubois

Aspecto en pantalla: 2:40:1

Origen: Francia, 1962.

Duración: 104 min.

Tu dijiste “te amo”, yo dije “quédate”. Yo casi dije “llévame contigo”, tu dijiste “vete”.

Deja que una se vaya para que lleguen otras diez.

De manera tardía pero reconfortante me tocó ver esta la tercer cinta de largometraje de Francois Truffaut, mismo que después de haber sido un feroz crítico en la revista Cahiers Du Cinema (inventó el término “el cine de papá”) había debutado de manera deslumbrante con Los 400 golpes.

En este caso Truffaut nos presenta la historia de los amigos Jules y Jim (Serre, Werner) que vagan por la vida sin mayores preocupaciones hasta que un mal día conocen a Catherine (Moreau) la mujer que cumple con sus expectativas de belleza, personalidad, rebeldía, irreverencia, aficiones y lealtades. Y digo mal día porque tanto Jules como Jim se enamoran de ella, sin que Catherine pueda decidir en definitiva por uno o por el otro.

La historia transcurre durante un período de 20 años antes, durante y después de la primera guerra mundial. Tiempo en el que Catherine ira cambiando sus afectos, no solo por Jules y Jim, sino también por otros hombres.

Trágica por su resolución, Jules y Jim es un emotivo y al mismo tiempo desolador relato sobre la búsqueda del amor, las oportunidades perdidas y sobre la imposibilidad, a veces, de poder llenar las expectativas de las personas que dicen amarte.

Altamente recomendable, ni la busquen en Mixup, mejor acudan con su pirata de confianza.

Fearless

2006-11-22T08:04:00.000-08:00

Director: Ronny Yu

Guión: Chris Chow, Li Feng

Fotografía: Poon Hang Sang

Edición: Virginia Katz

Música: Mei Linmao

Coreografía artes marciales: Yuen Woo Ping

Intérpretes: Jet Li, Betty Sun, Dong Yong, Shidou Nakamura

Aspecto en pantalla: 2:35:1

Origen: China, 2006.

Duración: 103 min.

Un servidor es un aficionado al cine de artes marciales desde hace muchos años. Recuerdo con especial afecto las tardes que pasé en los cines de barrio de Guadalajara (Sorpresa, Avenida, Park, Obregón, Guadalajara, Latino) y en las cuales pude emocionarme con una enorme serie de películas, casi indistinguibles unas de otras, pero pletóricas de golpes, saltos, acrobacias, malos muy malos, buenos impecables, heroínas en desgracia, y múltiples entuertos que había que “desfacer” a fuerza de aporrear la humanidad de quien se pusiera enfrente.

Pero hoy le toca a Fearless, la que se supone es la última cinta de acción de Jet Li, estimable acróbata que, al contrario de Van Damme, Jackie Chan, Dolph Rundgren, y otros tumba-carne, decidió retirarse en el punto más alto de su carrera con la que, a mi parecer, es una de las mejores cintas de este género que haya tenido oportunidad de ver, si no es que la mejor.

Recientemente se han exhibido cintas como Héroe o La Casa de los Cuchillos Voladores que, si bien utilizan las artes marciales, son solamente un elemento para el desarrollo de sus respectivas tramas, pero no giran en torno a secuencias de acción.

Fearless nos presenta una reflexión profunda y compasiva sobre el sentido último de las artes marciales, las consecuencias derivadas del uso indiscriminado de la violencia, y la búsqueda de la redención.

Espectacular, impecable, emotiva, vistosa, indispensable.

Jazz, sólo jazz

2006-11-16T10:10:00.000-08:00

Mis apreciables lectores, hoy quiero compartir con ustedes algunos videos de mis músicos de jazz favoritos: John Coltrane, Miles Davis, Chet Baker y Stan Getz. Les pido tengan a bien darse la oportunidad de disfrutarlos. Se agradece cualquier comentario.

John Coltrane: My favorite things

Miles Davis: Mr. Pastorius

Chet Baker: Stella by starlight

Sant Getz: We'll be together again

Un hombre y una mujer: Con cada romance la pena de amor es distinta, con cada romance la pena de amor es igual

2006-11-15T12:45:00.000-08:00

Dirección: Claude Lelouch

Guión: Pierre Uytterhoeven

Fotografía: Calude Barrois

Música: Francis Lai

Intérpretes: Anouk Aimee, Jean Louis Trintignant

Origen: Francia, 1966

Duración: 102 min.

Algunos domingos empiezan bien y terminan mal. Es difícil de creer. Es una locura rechazar la felicidad. Si esto volviera a suceder, ¿qué haría? ¿Podría hacer algo más? Verla por meses y terminar como amigos.

Por fin se me hizo ver una de las películas más populares de los años 60. Y… ¿saben que?, en verdad que ya no las hacen como antes.

Aunque ha sido despreciada por cierto sector de la crítica que la ha calificado como un producto edulcorado y blandengue, encontré en esta cinta un emotivo relato de dos seres humanos que, ante sus tragedias personales, deciden (aparentemente) darse la oportunidad de volver a disfrutar la presencia y compañía de otro ser humano.

A pesar de que data de 1966, la temática y su exposición me parecieron totalmente apegados a la vida en si misma. Esto es que no se presentan grandes complicaciones o sucesos que alteran, modifican o trastocan la vida de los amantes. Por el contrario, Claude Lelouch nos lleva de la mano para ser testigo de un romance como cualquier otro. Un romance en el que se hacen presentes las huellas de los que ya no están, el temor de iniciar de nuevo, el impulso de hacer cosas porque si, la despedida forzada como defensa ante la posibilidad del dolor…En fin, tantos y tantos breves pero básicos detalles y vivencias que estoy seguro se han hecho presentes en cualquiera de los que están leyendo estas líneas.

Por cierto, hay una secuela tardía llamada Un hombre y una mujer: 20 años después, misma que llegó, en efecto, 20 años tarde.

Band of Brothers: La televisión como propaganda (y justificación)

2006-11-14T13:20:00.000-08:00

Dirección: Devid Leland, Mikael Salomon, Phil Alden Robinson, Richard Loncraine, tom Hanks, David Nutter, Tony To.

Guión: Bruce McKenna

Fotografía: Joel Ransom, Remi Adefarasin, Música: Michael Kamen

Origen: USA, 2001

Duración: 700 minutos

Ni duda cabe, la historia la escriben (y reescriben) los que ganan. En este caso voy a referime a Band of Brothers, serie de televisión producida por el canal de cable HBO y supervisada (whatever that means) por Tom Hanks y Steven Spielberg, mismo que, no satisfechos con la carnicería brutal de Recatando al Soldado Ryan, llevan a la pantalla chica la historia de la Easy Company desde sus entrenamientos en el campo militar de Currahee, hasta la toma del nido del águila (el palacio de descanso de Adolfo Hitler).

La serie me causó una enorme incomodidad y el consecuente desprecio por las siguientes razones:

1. La presencia bobalicona e higadezca de David Schwimmer, mejor conocido como Ross de la serie Friends. Contar con su rostro mentecato queriéndose hacer pasar por oficial a cargo de entrenar reclutas resulta una de los peores miscast en la historia de la televisión. Un equivalente podría ser utilizar a Adal Ramones para interpretar a Benito Juárez.

2. Cada uno de los episodios contó con un director distinto, lo que ocasiona que no haya un tono uniforme en el desarrollo de las tramas y subtramas. Además, lo que empieza como un relato cruento de violencia y pérdida, se convierte en un paseo blandengue y estúpido.

3. Los personajes aparecen y desaparecen sin que se sepa bien que pasó con ellos. Aunque quizá se deba a las limitaciones de tiempo en cada capítulo.

4. Cuando los soldados estadounidenses saquean lo que encuentran a su paso, no hay el más mínimo atisbo de crítica en cuanto a la voracidad que perneaba las acciones. Vamos, incluso se justifica como un derecho de los mal llamados americanos a invadir y tomar postsesión de lo que se les pegue la gana.

5. Algunas de las secuencias que deberían ser más impactantes resultan punto menos que risibles al ser filmadas, evidentemente, en escenarios descomunales.

6. No hay un contexto claro de cómo o por qué entró Estados Unidos a la guerra (no olvidemos que su participación se dio de manera muy tardía), además, por ningún motivo se hace referencia a los bombardeos atómicos realizados en Hiroshima y Nagasaki.

Y lo que me parece más vergonzoso y vergonzante es que los Estados Unidos se siguen presentando a si mismo como los buenos muchachos que liberaron al mundo de la maldad. En el contexto presente (piensen en Irak y Afganistán), resulta obsceno seguir creyendo que los ideales de este país son la justicia, la verdad y todo lo demás que suena bien pinche bonito en los discursos políticos.

Ondskan (Evil): La sociedad de los poetas violentos

2006-11-10T09:54:00.000-08:00

Dirección: Mikael Hafstrom

Guión: Hans Gunnarson, Mikael Hafstrom

Fotografía: Meter Mokrosinsky

Edición: Darek Hodor

Intérpretes: Andreas Wilson, Henrik Lundstrom, Gustaf Skarsgard, Linda Zilliacus

Origen: Suecia, 2003

Duración: 110 min.

Bautizada en México con el ridículo nombre “Solo contra el mundo”, Ondskan nos presenta una reflexión sobre las opciones que se le presentan a un ser humano cuando el contexto en el que se desarrolla está marcado por la violencia.

Eric Ponti (Andreas Wilson) es un adolescente problemático y violento que, ante la imposibilidad de seguir estudiando en una escuela pública (y las cotidianas golpizas de su padrastro) es enviado a un internado en el que los usos y costumbres de sus compañeros le harán imposible hacer a un lado su naturaleza violenta.

Si bien la película contiene momentos de una enorme fuerza dramática, el final es uno de los más piojosos que me ha tocado ver. Pareciera que en aras de la posible venta a nivel internacional de su cinta, el director y su co-guionista optaron por un final totalmente hollywoodense que traiciona totalmente el espíritu desolado y triste de la cinta.

Aunque no viene al caso, me pregunto cuantos de nosotros no hemos tenido el enorme deseo de reventara a patadas al gorila de la clase, al maestro humillador, al policía corrupto, al acosador, al idiota que me acaba de romper las ventanillas de mi Chevy, al padre que golpea en público a sus hijos, al jefe déspota, al que vende carne contaminada, al que cambia los precios, al que se aprovecha de la miseria y la soledad, a casi todos los políticos, y a todos los demás que puedas pensar, patearlos hasta extinguir esta sed brutal de justicia.

No pude conseguir el trailer en su idioma original, así que van a tener que soportar en ezpañol de Ezpaña:

Spiderman: Made in Japan

2006-11-09T09:30:00.000-08:00

Producción: Tohei Pictures

Intérpretes: Todo Shinji, Mitsuo Ando, Idzumi Ooyama, Rika Miura

Origen: Japón, 1978

Así como quise compartir con mis amables lectores Batman:Dean End, el día de hoy quiero presentarles una de las peores mamarrachadas que se hayan realizado alguna vez teniendo como pretexto un super héroe de historieta: El Hombre Araña japonés.

Producido por la Tohei (la compañía responsable de traer al mundo al entrañable Godzilla) y seguramente habiéndose pasado por el arco del triunfo las cuestiones relativas a los derechos en cuanto al uso del personaje, esta serie de televisión representa una total y absoluta burla para los fans del cómic ya que de este solo queda el nombre y el traje, porque de lo demás…

Imagínense al hombre araña mezclado con los Power Rangers, Mazinger Z, efectos especiales estilo “La risa en vacaciones”, un sidekick vestido como indígena peruano mariachero, aderezado con miserables remedos de las acrobacias de Jackie Chan. ¿Qué resulta de esto?, pues un verdadero horror ante el cual las películas de El Santo resultan auténticos prodigios de técnica cinematográfica y profundidad argumental.

Pero algo tiene esta serie que no puede dejar de ejercer una atracción fascinante para el que se atreva (hace falta valor) a reventarse un capítulo completo. Y no es que de tan mala sea buena, eso sólo puede aplicar a las películas de Ed Wood, simplemente es ingenua.

Por cierto, no he incluido las reseñas de lo más reciente que he visto en dvd, pero es que ante material insulso, ¿para que demonios molestarse en buscar imágenes o fichas técnicas.

En fin, disfruten (sufran) el primer capítulo de este esperpento, El hombre ninjaarañarobomazinger:

Batman: Dead End

2006-11-08T08:17:00.000-08:00

Batman: Dead end

Dirección: Sandy Collora

Guión: Sandy Collora

Fotografía: Vince Toto

Edición: Toby Divine

Música:

Intérpretes: Clark Bartram, Andrew Koenig, Kurt Carley

Origen: Estados Unidos,

Duración: 8 minutos !

You made your choice a long time ago Joker.

Para aquellas personas que fuimos niños y adolescentes en la primera mitad de los años 70, el comic era una compañía insustituible en los ratos de ocio. Batman, Spiderman, Daredevil, los 4 Fantásticos, eran los poderosos e infalibles aliados en el desarrollo de lo imaginario infantil y juvenil.

Si bien estos personajes se convirtieron, por lo menos para un servidor, en algo por demás querido y entrañable, la mayoría de las películas que se han realizado a partir del cómic, por lo general han sido mediocres, absurdas, o simplemente ridículas. Y es que, basta saber con que se va a adaptar una historieta para tener la certeza de que, aquello que por fin acabe en pantalla, poco o nada va a tener que ver con el mundo, las actitudes, los principios y la estética del comic original.

Claro que hay grandes y notables excepciones, de las debe destacarse el Superman realizado por Richard Donner en 1978. Lástima que las secuelas (y la infame Supergirl) solo ocasionaron que el personaje se convirtiera en objeto de escarnio, por lo menos en cuanto al cine.

Hoy quiero recomendarles Batman: Dead End, extraordinario corto de Sandy Collora en el cual se recupera a este personaje alejándolo de la bobaliconería y estupidez que alcanzó en cintas insoportables como Batman & Robin y Batman Forever de Joel Scumacher. Esta pequeña obra maestra nos presenta a un Batman cruel, cínico, brutal, vamos, el Batman auténtico no el producto hollywoodense edulcorado para el consumo masivo.

Realizado por un fan del comic y no por un artesano a destajo, este film representa, hasta el momento, la mejor adaptación que haya realizado de una historieta. ¿Lo dudan?. Vean esto entonces:

Hable con ella: la inmovilidad y la obsesión

2006-11-07T11:13:00.000-08:00

Dirección: Pedro Almodovar

Guión: Pedro Almodóvar

Fotografía: Javier Aguirresarobe

Música: Alberto Iglesias

Intérpretes: Leonor Watling, Rosario Flores, Darío Grandinetti, Javier Cámara, Geraldine Chaplin.

Origen: España, 2002

Duración: 114 min.

Almodóvar llega con esta cinta a lo que, para un servidor, resulta su logro más interesante en cuanto a la creación de relatos profundamente emotivos a pesar de lo disparatado, excesivo y a veces ridículo de sus argumentos.

En este caso, y después del tropiezo terrible que resultó La mala educación, Almodóvar nos presenta, mediante una serie de saltos espacio-temporales, elipsis, y giros argumentales, dos historias vinculadas por el estado de coma en el cual se encuentran inmersas las protagonistas principales.

Al contrario de la mayoría de sus films, en esta ocasió resultan de mayor peso los protagonistas masculinos ya que son sus obsesiones (y su desamparo) lo que darán origen a la tragedia, pero también a un esbozo de redención. Si mis comentarios les resultan crípticos es porque sería una verdadera mentada de madre para el que esté leyendo el revelar puntos nodales de la trama

Plena de secretos y obsesiones malsanas, Hable con ella representa la vuelta de Almodóvar en su mejor forma. Habrá que ver si Volver mantiene el nivel de este cineasta que aún le queda mucho, pero mucho por decir.

Por cierto, el único prietito en el arroz es la presencia ratonil de Geraldine Chaplin, misma que le da una nota de falsedad al filme, cosa es que es difícil de lograr en una película de Almodóvar.

Pollock: la tragedia del artista

2006-11-06T10:22:00.000-08:00

Dirección: Ed Harris

Guión: Susan y Ernest Shemwiller

Fotografía: Lisa Rinzler

Edición: Kathryn Himoff

Música: Jeff Beal

Intérpretes: Ed Harris, Marcia Gay Harden, Tom Coger, Jennifer Connelly

Origen: Estados Unidos, 2000.

Duración: 122 min.

La vida de los artistas plásticos es un tema que ha sido visitado con mayor o menor fortuna por el cine desde hace mucho tiempo. Y es que el pintor, especialmente si se comporta como un orate, es un pretexto maravilloso para caer en toda clase de excesos narrativos o estilísticos.

Pocos han sido los filmes que han escapado a la truculencia al momento de presentarnos la vida de un pintor. De hecho sólo recuerdo uno, Vincent & Theo de Robert Altman y en el cual, más que presentarnos el descenso enla locura de Vincent Van Gogh, se analizaba la compleja relación con su hermano Theo.

Por hoy les voy a platicar sobre Pollock, primer film como realizador del estimable actor Ed Harris y en el cual se aborda la vida del pintor (surrealista?, impresionista?, abstracto? monero?) Jason Pollock, particularmente su tortuosa lucha por el reconocimiento y su incapacidad para controlar su afición por el alcohol y su proclividad a los romances tortuosos.

Si bien es evidente que Ed Harris (que también desempeña el papel protagónico) tiene un profundo afecto por su material, también resulta claro que su falata de experiencia le impidió crear un relato emotivo en el cual el espectador pudiera involucrarse o ser testigo de la lucha del creador consigo mismo y con el medio que lo rechaza, porque tal y como es presentado solo podemos apreciar la historia de un tipo que pinta, que es borracho y mujeriego, pero de sus impulsos creativos, de los rompimientos internos que lo impulsaron a plasmar sus entresijos mediante salpicaduras de pintura, de su pasmo y descubrimiento ante una técnica totalmente innovadora… de eso no llegamos a saber nada.

Fría, académica, realizada como si fuera una pintura “by the numbers”, esta cinta requiere de por lo menos un conocimiento mínimo sobre las corrientes contemporáneas en cuanto a las artes plásticas para poder ser apreciada. De otra forma resultará una aburrida telenovela de un tipo que pintaba unos monos medio gachitos.

Pulp Fiction, El Aro,Star Wars, y El Resplandor en 30 segundos (interpretadas por conejitos)

2006-11-06T07:13:00.000-08:00

Romper Stomper: La espiral de la violencia

2006-11-06T06:38:00.000-08:00

Dirección: Geoffrey Wright
Guión: Geoffrey Wright
Fotografía: Ron Hagen
Edición: Bill Murphy
Música: John Clifford White
Intérpretes: Russell Crowe, Daniell Pollock, Jacqueline Mckenzie, Alex Scott
Origen: Australia, 1992
Duración: 92 minutos.

*
¿Que están haciendo aquí?
Este no es su país.
*

Brutal recuento de las actividades de un grupo de skinheads en una ciudad de Australia y en el que la espiral de violencia no puede tener otra salida que la tragedia.

Apoyado en las sentidas interpretaciones de Crowe y Pollock (q.e.p.d.), el director nos presenta el submundo de una pequeña banda racista que encuentra en el ataque a los inmigrantes (especialmente los vietnamitas) su única razón de ser y su único desfogue ante un medio hostil y vacío.

Temáticamente emparentada con Historia Americana X, Romper Stomper se toma el tiempo para presentarnos a sus personajes no solamente como máquinas dispuestas a la carnicería, sino además como seres humanos que dudan y cuestionan sobre la validez de lo que están llevando a cabo.

Resulta muy sencillo querer pontificar cuando se está tratando un tema polémico, pero el director resiste la tentación de "tirar netas", o plantear posibles soluciones o mensajes de paz. Por el contrario, la resolución nos lleva a pensar que, una vez tomada la decisión del odio, no puede haber redención.

Editada de manera insólita por Quality Films en México, la versión en dvd contiene la versión sin censura en formato anamórfico y con comentarios de audio del director (¡con subtítulos!).

Jan Svankmajer...

2006-11-03T11:57:00.000-08:00

Para que se den una idea del tipo de animaciones que realiza este señor, hoy les presentamos la increíble historia de las arracheras que bailan tango.

Cine de horror: títulos indispensables

2006-11-03T06:27:00.000-08:00

Advertencia: estos son las películas que a su servidor le "apanicaron" cuando tuve la oportunidad de ver en el cine. Algunas no han resistido el paso del tiempo, pero no he olvidado el impacto que en su momento me causaron. Como ejemplo está Halloween, misma que vi en el ahora extinto cine del estudiante y cuando apenas tenía 11 años (a mi hermano mayor y a mi nos dejaron entrar de contrabando). Si se ve ahora, la cinta resulta un tanto boba y aburrida (y muy poco sangrienta), pero no he olvidado el caos de gritos y expresiones de miedo que abundaron en aquella lejana función, hace 28 años.

1979, año en que llegó a la pantalla uno de los "mostros" más entrañables de la pantalla. Recuerdo que fui a ver esta cinta sin saber nada de ella. Ay cabrón, fué una pinche experiencia de no-ma-mes. Y es que a mis 12 añitos no había forma de estar preparado para este relato de horror gótico situado donde nadie puede oirte gritar. Lástima que est cinta se hay convertido en franquicia hasta llegara na títulos ridículos como Alien Vs Predator.

Candyman. Las obras de CliveBarker nunca se han transladado de manera adecuada a la pantalla, a excepción de esta. Bernard Rose (director) supo crear un mundo de pesadilla en el que no hay espacio en el cual poder resguardarse. Celebratoria y amenazante, Candyman nos recuerda que los mitos urbanos, si bien sirven para espantar a niños bobacolines, quizá tengan algo de verdad.

Event horizon. No debería haberme gustado. La trama es pedestre, algunas actuaciones son infames, no hay un ápice de credibilidad científica, pero... ay hijo de la matraca, salí con los pelos parados de la función.
El exorcista. ¿No la han visto?, !estaís en pecado mortal pequeñines!, corran a su video club o video-carroña más cercano y deleítense con este relato en lo que menos importa es la posesión de una niña. El punto central, y del que nadie se quiere dar cuenta, es la pérdida de la fe. Pero en este mundo de mierda, no hay espacio ni tiempo para creer en nada.

Halloween (queremos): La iniciadora del género slasher. Muy avejentada, sólo podrá asustar a monjitas rezongonas y a niños de kindergarten. Vale como referencia, o como recuerdo nostálgico.

Near Dark: La directora Kathryn Bigelow supo recrear los mitos del vampirismo en esta deliciosa road-movie presentándonos un grupo de seres nocturnos que vagan por carreteras solitarias y pueblos sombríos en la búsqueda de alimento. Indispensable.

Pesadilla en la calle del infierno: La obra cumbre de Wes Craven y quizá la única aparición inquietante de Freddy Kruger, figura malévola convertida en chiste barato a fuerza de secuelas lastimosas. Esta es la original. Única. Perversa. Brutal. Angustiante. Indispensable.

Re-animator: ¿Pueden mezclarse el horror y la comedia?. ¡Sólo si eres Stuart Gordon!. Este señor adaptó vagamente uno de los cuentos del maestro de maestros de la literatura de horror Howard Phillips Lovecraft, y dio vida a algunas de las secuencias más delirantes que, si no han visto, de verdad que no pueden imaginárselas. Con decirles que hay un "intestino asesino"...

El bebe de Rosemary: Adaptación de la mediocre novela de Ira Levin por parte de Roman Polanski, y en la que, sin efectos especiales, maquillajes prostéticos o derramamiento de sangre, somo llevados al mundo en el que los inocentes son pervertidos para cargar la semilla del diablo. Pero incluso un bebé diabólico necesita su biberón.

El resplandor: En su única película dentro del género del horror, Stanley Kubrick nos presentó un relato espeluznante de aislamiento y locura, de entidades y violencia, de excesos y repulsión.

La Mosca: Después de haberse mantenido al margen del cine hollywodense durante muchos años, David Cronenberg se dejó seducir por Mel Brooks para dirigir esta segunda adaptación de la novela de George Langelaan. De manera insólita, la cinta fué un éxito total y Cronenberg no traicionó la constante principal de su cine: el horror que se asienta en el propio cuerpo y del cual sólo podemos ser testigos.
La cosa del otro mundo: En 1982 John Carpenter presentó en pantalla un espectáculo grotesco y repugnante para el cual no estaba preparado el público. Sin embnargo, con el paso del tiempo ha sido revalorado y ahora es todo un clásico.

El ansia: La primer película de Tony Scott (hermano de Ridley), es un relato melancólico de la decadencia de un vampiro que poco a poco se convierte en una momia. Sin movimiento, doliente, cuestionándose las promesas no cumplidas, condenada a la vida eterna y a la soledad. Magistrales interpretaciones de Sarandon, Denueve y Bowie.

La masacre de Texas: Qué lastima que, 32 años después, Tobe Hooper solo haya realizado películas mediocres y francamente estúpidas. Después de ver esta cinta, el sonido de una motosierra les va a generar escalofríos.

Alicia: en el país de las pesadillas

2006-11-01T08:40:00.000-08:00

Dirección: Jan Svankmajer

Guión: Jan Svankmajer a partir de la obra de Lewis Carroll

Animación: Bedrich Glaser

Fotografía: Svatopluk Maly

Intérprete: Kristyna Kohoutova

Origen: Suiza, Alemania, Inglaterra, 1988.

A un servidor le resulta imposible describir lo que pasa en esta película del animador checo Jan Svankmajer, y es que este trabajo se encuentra en el extremo opuesto de la edulcorada versión de los estudios Disney. Lo que en una cinta era ñoñería y autocomplacencia, en esta se convirtió en una pesadilla surrealista que, por raro que parezca, es más fiel al mundo de Carroll que la versión animada.

Alice representa más que la adaptación de una obra literaria, un viaje a los lugares más recónditos y obscuros de la mente infantil y en el cual el texto original sólo es un pretexto para que Svankmajer de rienda suelta a sus obsesiones temáticas y estilísticas, especialmente con el uso de la técnica de animación stop-motion y la creación de monstruos inquietantes y terribles.

No apta para todos los gustos, aún no puedo afirmar si resultó de mi agrado. Lo que si puedo asegurar es que este tipo de trabajo se encuentra más allá del bien y del mal. Puede ser detestado o amado, pero nadie puede negar su valor como una verdadera obra de arte.

Como ya entendía como añadir vínculos de video, incluyo un fragmento de esta película aunque con la advertencia de que la música que se escucha de fundo NO pertenece a la banda sonora original.

A los hombres y mujeres...

2006-10-31T14:40:00.000-08:00

A los hombres y mujeres
que son dueños de hombres y mujeres
aquellos de nosotros que deberíamos haber sido amantes
nunca les perdonaremos
por desperdiciar nuestros cuerpos y nuestro tiempo.

Leonard Cohen

Noche de jueves, noche de Tobías

2006-10-27T07:49:00.000-07:00

“¡Es mi vieja y yo la traje!”, fue el grito estremecedor que taladró nuestros oídos.

Como cada jueves (casi siempre y si se nos da la gana), hubo reunión del Club Tobías, espacio no virtual pero tampoco virtuoso en el que se reúnen un variopinto grupo de individuos a degustar los diversos placeres que la vida nos ofrece. O lo que es lo mismo a pistear como candidatos a reventar alcoholímetros, comer cuales náufragos nayaritas, y fumar hasta las bachichas callejeras.

Ayer nos reunimos en el famoso 25, lugar de sana convivencia familiar marcado por la decencia y las buenas costumbres. Pero no todos los días ya que justo ahora nos tocó reventarnos casi tres horas de grupo norteño, lo cual impidió que mantuviéramos nuestras charlas filosóficas y que nos llevó (contra mi voluntad) a jugar dominó. Al principio nos acomodaron una putiza descomunal, pero después se niveló hasta llegar a un salomónico final.

Pero en fin, después de tanta tarugada, lo que de verdad quería comentarles es con respecto a la única señora que estaba con los amables y felices borrachines norteños. Parafraseando a la ninfa vouyerista diría “¡No, no, no, toda una experiencia!”, y es que le dio por cantar con unos alaridos de no-ma-mes, una bestia herida con las tripas colgantes y a punto de ser devorada hubiera sido más agradable de escuchar. Hagan de cuenta una mezcla entre Vitola, Chayito Valdéz y Chalina Sánchez, pero desafinada, descuadrada, pero esos si, muy bien gritada. Claro que la borrachera no era tan anestésica, por lo que el marido (o pagador), manifestó con voz contundente y gesto despectivo: “¡Es mi vieja y yo la traje!”.

Si tu orgullo es exhibir una borracha gritona, master, te recomiendo dejes de tomar Tonayan.

Pero enfin, esto es lo que nos hace la vida.

La reunión número 143 del club Tobías contó con la participación de Emmanuel, Carlos , Chuy, Beto, Toño y su seguro servidor.

Y el sábado el Atlas le va a acomodar una putiza a las méndigas chivas. Por tanto el domingo, ¡a tragar birria!

Ah!, y también vi otras dos películas ayer (bendiciones del insomnio) pero como estaban bien pinchitas, ni caso tiene hablar de ellas: El ensayo de Catherine Corsini y Despertando a los muertos de Keith Gordon.

Detrás de las nubes: quizá solo exista el silencio

2006-10-26T06:38:00.000-07:00

Dirección: Michelangelo Antonioni, Wim Wenders

Guión: Tonino Guerra, Michelangelo Antonioni

Fotografía: Alfil Contini, Robby Muller

Música: Lucio Dalla, U2

Intérpretes: Fanny Ardant, Chiara Caselli, Irene Jacob, John Malkovich, Sophie Marceau, Jean Reno, Marcello Mastroiani, Jeanne Moreau.

Origen: Italia, Francia, Alemania, 1995.

It's time to go again
To your blue room
Got some questions to ask of you
In your blue room

The air is clean
Your skin is clear
I've had enough of hanging 'round here
It's a different kind of conversation
Your blue room

You saw me coming love
In outside
You saw me coming
Somewhere I can hide

Won't you bring me back home?

Michelangelo Antonioni regresó a la silla de director después de haber pasado 10 años recuperándose de una embolia que lo dejó casi totalmente inhabilitado. De hecho la película fue codirigida por Wim Wenders al no poder terminar la filmación Antonioni.

Pero lo que importa es lo que está en pantalla y darse cuenta de que las tendencias temáticas, narrativas y estilísticas del cine de Antonioni siguen presentes: personajes solitarios que deambulan por espacios de arquitectura magnífica, deseos y esperanzas no confesados, imposibilidad de comunicarse, decepción, aislamiento, imposibilidad de dar y recibir amor, y… la esperanza. Si, por increíble que parezca, por primera vez en una cinta de este cineasta hay un leve atisbo de una vida mejor. Quizá sea el síndrome del director que sabe que no le quedan muchos filmes por hacer y que de alguna manera trata de reconciliarse con el pasado. Algo así paso con Federico Fellini y su última película Intervista, en la cual, literalmente, su última imagen es un rayo de esperanza.

Pero en esta cinta en cuestión tenemos cuatro historias de amor que, como en toda cinta de episodios, son irregulares. De hecho la única que me llamó la atención y, debo decirlo, me impactó, es en la que participan Fanny Ardant, Jean Reno y Peter Weller, ya que nos presenta la historia de un matrimonio y sus respectivos amantes y la manera en que estos últimos son desechados. Pero entonces llega la esperanza, y eso es algo que quisiera tener en mi vida. Por eso me conmovió, por eso la recomiendo.

Ni la busquen en Mixup, ya saben, acudan con su pirata de confianza.

La mujer de al lado: el sabor de la infidelidad

2006-10-26T06:11:00.000-07:00

Dirección: Francois Truffaut

Guión: Francois Truffaut

Fotografía: William Lubtchansky

Música: Georges Delerue

Edición: Martine Barraqué

Intérpretes: Fanny Ardant, Gerard Depardieu, Henri Garcin, Michel Baumoartner

Origen: Francia, 1981.

Dejémonos de hipocresías y falsos pudores. Casi todos hemos sido infieles, e incluso aquellos que nunca lo han hecho, por lo menos en sus pensamientos se han refocilado de manera por demás gozosa con la mujer (o el hombre) que se encuentra vedada(o).

El día de hoy, mi queridos chiquitines (préstenme atención), les quiero recomendar esta cinta en la que Truffaut nos presenta la historia de un amor infiel que, a pesar del tiempo y la distancia, sigue vivo y esperando marcar con la tragedia la vida de los protagonistas.

No se si exista el destino, pero se que existe una decisión. Y los amantes que, después de muchos años y de haber reconstruido sus vidas terminan por ser vecinos, tienen que enfrentarse a una. ¿Seguir en la plácida monotonía de un matrimonio irrelevante o dar rienda suelta a la pasión que se creía olvidada?

Pero las decisiones tienen consecuencias (recomiendo Smoking / No smoking de Alain Resnais) y las consecuencias conllevan a otras decisiones, que en este caso mezclan la brutalidad absoluta con el placer de un instante.

Si no le entienden a la reseña es porque revelar más sería dar cuenta de puntos nodales de la trama cuyo descubrimiento debe darse en el marco de la cinta, no en blog sarnoso.

Todos aquellos que se hayan visto tentados, obligados están a ver esta cinta.

Mis amigos, los Tobías

2006-10-26T05:35:00.000-07:00

"Hoy voy a cambiar..." , ligeramente el contenido de mis posts para presentarles a los "miembros" del Club Tobías, seres humanos llenos de pasión y gusto por la vida, y que han encontrado, casi todos los jueves y en los recónditos recovecos de bares, antros y piqueras de mala muerte de Guadalajara, un espacio para compartir sus pasiones, cosmogonías, delusiones, esperanzas y aventuras (y música bajada de internet).

En esta foto les presento a los que, más que mis amigos, son mis hermanos.

Chuy, Carlos, Luis Arturo, Emmanuel, Rubén, Daniel, Toño, Beto: mi admiración y respeto para ustedes.

La vida de Brian: el placer de la irreverencia

2006-10-25T11:37:00.000-07:00

Dirección: Terry Jones

Director de animación: Terry Gilliam

Guión: Terry Jones, Graham Chapman, Michael Palin, John Cleese, Eric Idle, Terry Gilliam

Fotografía: Peter Biziou

Intérpretes: Terry Jones, Graham Chapman, Michael Palin, John Cleese, Eric Idle, Terry Gilliam

Origen: Reino Unido, 1979

Llegan los tres reyes magos a un humilde pesebre:

- ¿Quiénes son?

- Tres sabios.

- ¿Qué?

- Somos tres sabios.

- ¿Y rondan de noche por un establo? No me parece muy sabio.

- Somos astrólogos.

- Venimos de oriente.

- ¿Es una broma?

- Queremos alabar al niño.

- ¿Rendirle homenaje? ¡Están borrachos! ¡Qué repugnante! ¡Fuera! ¡Venir con cuentos de adivinos orientales!

- ¡Debemos verlo!

- ¡Alaben a otro mocoso!

- ¡Nos guió una estrella!

- ¡Una botella diría yo! ¡Fuera!

- Trajimos regalos

- ¡Fuera!

- ¡Oro, incienso, mirra!

- Lo hubieran dicho antes. Ahí está. Disculpen el desorden. Además, ¿qué es mirra?

- Un valioso bálsamo

- ¿Bálsamo? No le den eso. Podría morderlo.

- ¿Qué?

- ¡Es un animal peligroso! ¡Llévenselo!

- ¡No!

- Es un gran…

- Es un ungüento.

- Debo haber soñado que era un animal…Ustedes son astrólogos, ¿qué es él? ¿De qué signo es?

- De capricornio.

- ¿Y cómo son?

- El es el hijo de Dios. Nuestro mesías. Rey de los judíos.

- ¿Así son los de capricornio?

- No, sólo él.

- Claro, si no habría demasiados.

- ¿Cómo lo llamarán?

- Brian.

- ¿Que dijo?

- Creo que “bienaventurados son los fabricantes de queso”.

(Personajes que al conseguir asientos muy lejanos de Jesús no entienden su predicación)

Mis pequeñines, es tiempo de contarles una pequeña historia antes de ir a la cama y que les ayudará a alejar de su mente pensamientos obscenos y lascivos.

Hace 2006 años nació un niño en el pueblo de Galilea, como era de origen muy humilde sus padres tuvieron que refugiarse en un pesebre para pasar la noche. Cuan grande no sería su sorpresa cuando de ponto aparecieron tres reyes magos que le llevaron hermosos regalos. Pero como los reyes estaban un tanto cuanto desorientados (en Galilea no había Guía Roji) se dieron cuenta de que el niño que buscaban no era ese y que se habían equivocado de pesebre.

Este es el punto de partida de lo que, a parecer de gente que es bien pinche estudiosa del cine, la mejor comedia del irreverente grupo inglés de comedia Monthy Pithon. Y no es para menos ya que, tomando como punto de partida la vida de Brian, un hombre que tuvo la desgracia de nacer el mismo día que Jesucristo y que verá marcada su vida por esta coincidencia, se nos presenta un desfile de ocurrencias sacrílegas y totalmente subversivas que, cuando me tocó verla en el cine, ocasionaba que el público se saliera de la sala mentando madres y exigiendo que se detuviera la proyección.

Debo aclarar que el humor inglés se encuentra muy lejos de la caída y el pastelazo tan propios de la comedia gringa, por lo que se requiere contar con un estado de ánimo propicio para la irreverencia y el escándalo que les permita disfrutar esta cinta. De otra manera no sería posible disfrutar el secuestro del protagonista por una nave alienígena y el delirante número musical interpretado por decenas de hombre crucificados que al unísono cantan “Mira siempre el lado brillante de la vida”.

Fanáticos de la vela gorda y de las procesiones, sugiero abstenerse.

Sympathy for lady vengeance: El agridulce sabor de la venganza

2006-10-24T14:36:00.000-07:00

Dirección: Park Chan-Wook

Guión: Jeong Seo Gyeong

Fotografía: Jeong Jeon Hun

Edición: Kim Jae Beom

Intérpretes: Lee Yeong-Ae, Kim Shi-Hu, Nam II-Woo, Kim Byeong-Ok, Oh Dal-Su

Origen: Corea del Sur, 2005

“Hay buenos secuestros y malos secuestros”

Venganza. Un plato que sabe mejor frío, y si hay que prepararlo durante más de una década... quizá el sabor no sea lo que esperábamos.

El delirante y excesivo cineasta Park Chan-Wook nos presenta el cierre de la trilogía conformada, iniciada por Sympathy for Mr. Vengeance y Oldboy. No he visto la primera pero todavía no acabo de digerir la segunda, y es que nada puede prepararnos para el shock generado tanto por las temáticas, encrucijadas y puesta en escena de las temáticas personales y decisiones estilísticas de este director.

En este caso, se nos presenta la historia de una mujer que, después de haber pasado 13 años en la cárcel por haber participado en el secuestro de un niño, busca vengarse de aquellos que la traicionaron y al mismo tiempo encontrar la redención.

Pero la redención es una hermosa e inútil esperanza de los seres humanos, porque en este mundo de mierda no es factible redimir más que un carajo. Y si acaso nos acercamos a la venganza, redención, nirvana, éxtasis o como quieran llamarle, el resultado siempre será amargo, porque simple y sencillamente, no hay palabra, pensamiento o acción que borre el cúmulo de nuestros errores.

Mención aparte merece la enorme belleza visual de esta cinta, una belleza profundamente triste pero, ¿no es siempre así?

Illuminata: La palabra escrita se reviste de carne, huesos y lágrimas

2006-10-24T12:49:00.000-07:00

Director: John Turturro

Guión: Brandon Cole, John Turturro

Fotografía: Harris Savides

Edición: Michael Berenbaum

Intérpretes: John Turturro, Susan Sarandon, Christopher Walken, Katherine Borowitz, Ben Gazzara, Gerogina Cates, Rufus Sewell

Origen: Estados Unidos, 1998

- Te amo

- Lo dices como si hubieras parado y quisieras empezar de nuevo.

- Nunca me paré, nunca hice nada más que amarte... imperfectamente. Hablo desde el corazón, y si estaba equivocada, me he equivocado antes, lo que quiere decir que soy imperfecta. Nací imperfecta, me educaron imperfectamente, me moldearon manos imperfectas. Si buscas quien te ame imperfectamente, no busques más, yo soy quién.

Con recelo me había acercado a este filme ya que, como la historia fílmica nos ha demostrado, el salto de la actuación a la dirección para algunos intérpretes no suele ser terso y a veces, resulta francamente chocante.

¿Recuerdan “Danza con lobos” de Kevin Costner?, en su momento fue muy vista, muy celebrada y muy oscareada, pero el padre tiempo cinéfilo se hizo cargo de poner en su lugar a esta cinta que, vista a la distancia, no era más que un ejercicio de ego exacerbado con algunos paisajes rete-bonitos (verdá de dios).

Pero en fin, después de ver Buenas noches, que te vaya bien, no olvides cerrar la puerta (Good night and good luck) de George Clooney, decidí darle una oportunidad a este primer film como director de John Turturro (mira tu, que magnánimo), estimable actor que seguramente recuerdan (o no, pero da igual) de cintas como Haz lo correcto (y no recibas bonos), Barton Fink (no se me ocurrió algo mamila), El color del dinero y Miller’s Crossing.

Si bien Turturro cae en los problemas típicos de cualquier director primerizo (demasiados personajes, exceso de subtramas que no llevan a ningún lado, desperdicio de actores en papeles irrelevantes), Illuminata es un relato entrañable sobre los entresijos cotidianos de un grupo de teatro en una época indeterminada (quizá fínales del siglo XIX), y especialmente sobre la angustia de un escritor que lucha por llevar delante del público su inacabada obra.

Debo confesar que la primera hora de la película me pareció un ejercicio brutal de egolatría por parte del director pero, conforme se cerraban algunas historias y surgía la versión final de la obra a partir de la experiencia personal de los actores, mi opinión cambió diametralmente, de tal forma que no dudo recomendarla ampliamente.

Además, ¿en que otra cinta pueden ver a Christopher Walken interpretando a un crítico teatral gay afecto a cantar Salomé con el torso desnudo?

Pueden encontrarla en los botaderos de Wal Mart por módicos 32 pesitos.

Dejémonos de hipocresías, lo mío, lo mío, lo mío, es el chevetón !!!

2006-10-24T11:54:00.000-07:00

El eclipse: La inevitabilidad de la alienación y el aislamiento

2006-10-23T09:48:00.000-07:00

Dirección: Michelangelo Antonioni

Guión: Michelangelo Antonioni, Tonino Guerra

Fotografía: Gianni Di Venanzo

Intérpretes: Monica Vitti, Alain Delon, Francisco Rabal.

Origen: Italia, 1962

No es necesario conocerse para quererse. Nosotros ni siquiera necesitamos querernos.

Debo confesar que un servidor carece de una formación escolar en el ámbito de la crítica cinematográfica y por tanto le resulta difícil realizar un análisis formal del cine de Antonioni ya que, sus filmes, se prestan para múltiples niveles de análisis que escapan totalmente de mis posibilidades.

En efecto, me di a la tarea de recuperar ensayos y reseñas con respecto a las obras de Antonioni que tuve la oportunidad de ver el pasado fin de semana (Blow-Up, Detrás de las nubes, El Eclipse) y me encontré con un número significativo de este tipo de textos en los cuales estas películas se diseccionan hasta darle significado a un foco que parapadea o a la ceniza que se desprende de un cigarro.

Como mi inteligencia no me da para tanto solo me queda recomendar, principalmente, El Eclipse, ya que me pareció una reflexión visual triste y melancólica con respecto a el aislamiento en las grandes ciudades y sobre la imposibilidad de establecer relaciones significativas.

Un hombre y una mujer se separan. No somos testigos del rompimiento pero si de los resabios y quejas finales. Una nueva relación aparece de inmediato para la mujer, pero la imposibilidad de comunicarse, la abrumante e ineludible presencia del silencio, y el marco de una ciudad que solo parece vivir en los momentos de avaricia, marcarán un remedo de romance que solo puede lograr la repetición de viejos fracasos.

Debe destacase la bellísima fotografía de Gianni Di Venanzo, que supo aprovechar la arquitectura de Roma para crear un marco de vacío y desconcierto para la inevitabilidad de la tragedia.

Para los que no me conocen en persona, ahí les va el ... mi retrato

2006-10-20T06:32:00.000-07:00

Antes del amanecer: renovando la esperanza

2006-10-19T07:50:00.000-07:00

Dirección: Richard Linklater

Guión: Richard Linklater, Kim Krizan

Fotografía: Lee Daniel

Intérpretes: Julie Delphy, Ethan Hawke.

Origen: Estados Unidos, 1995

There's wind that blows in from the north.
And it says that loving takes this course.
Come here. Come here.
No I'm not impossible to touch.
I have never wanted you so much.
Come here. Come here.
Have I never laid down by your side.
Baby, let's forget about this pride.
Come here. Come here.
Well I'm in no hurry.
Don't have to run away this time.
I know you're timid.
But it's gonna be all right this time.

Come here – Keith Bloom

"I really believe that if there's any kind of God, he wouldn't be in any one of us -- not you, not me, but just this space in between. If there's some magic in this world, it must be in the attempt of understanding someone else, sharing something. Even if it's almost impossible to succeed, but who cares, the answer must be in the attempt."

Después de mucho tiempo de solo ver películas alucinantes, violentas, enloquecidas y desesperanzadoras, llegó a mi espacio vital esta extraordinaria cinta de Richard Linklater en la que no hay efectos especiales, persecuciones, miseria o desencanto. Solo hay dos seres humanos que por azar se encuentran y por decisión se descubren y enamoran.

Una sola noche basta para deshacerse de secretos, apariencias y atavismos. Para mostrar el alma desnuda y maravillarse ante el enorme regalo de un ser humano capaz de escuchar, entender y amar.

En lo personal, me resulta doloroso celebrar el amor, sólo puedo dar fe de la esperanza.

Indispensable para todos aquellos que aún les queda un soplo de anhelo amoroso. No duden en verla, probablemnte agrege algo a sus vidas.

Shock Corridor: La violencia como institución

2006-10-18T08:53:00.000-07:00

Dirección: Samuel Fuller
Guión: Samuel Fuller
Fotografía: Stanley Cortez
Edición: Jerome Thoms
Intérpretes: Peter Breck, Constance Towers, Gene Evans, Harry Rodes, Larry Tucker, William Zuckert.
Origen: Estados Unidos, 1963.

Pocas cosas hay en este mundo más brutales y crueles que las instituciones en las cuales se oculta a los mal llamados "enfermos mentales" para que no causen incomodidad a las buenas conciencias.

Un servidor tuvo la mala fortuna, el disgusto y la tragedia de laborar durante algún tiempo en un hospital de estos (por el rumbo de Zapopan). Mi labor consisitía en entrevistar a los recién llegados para emitir un "diagnóstico" apoyado además en una seri de pruebas psicométricas y proyectivas. Claro que mis pininos de diagnóstico no servían más que para pura chingada ya que eran ignorados por el cuerpo médico-psiquiátrico mismo que nos veía a los pobrecitos psicólogos como una especie de parientes pobres cuyo trabajo sería de mayor benficio si estuviera centrado en la limpieza de heces fecales y orina.

Pero en fin, después de esta introducción (¿les gustó la introducción?, ja!), paso a lo que le compete a este blogcito rascuachón, el cine. Y es que me tocó en suerte conseguir una versión pirata de Shock Corridor de Samuel Fuller, cineasta desmesurado y ofensivo de las dichosas buenas-conciencias, especialmente las norteamericanas. Esta cinta en cuestión fué despreciada en su país de origen pero valorada significativamente en Europa, en especial en Francia.

Esta cinta utiliza como pretexto el ingreso de un periodista encubierto a un hospital psiquiátrico para hacer una reflexión en cuanto a los procedimientos de "cura" para los "enfermos mentales", y es que lo que se supone que debiera ayudar a los pacientes no sirve más que para faciltar la inmersión en la locura.

Recuerdo mi primer visita a una granja de recuperación de enfermos mentales (El Zapote, Jalisco), misma en la que. charlando con el director, un psiquiatra del cual no recuerdo su nombre, me comentó que el objetivo de esa institución no era reintegrar al individuo a la sociedad, sino que pasaran el resto de sus vidas tranquilamente. Lo peor de esto es que me lo dijo justo cuando estábamos en el pabellón infantil, un espacio desolador en el que pude ver a un niño de 7 u 8 años, desnudo, revolcándose en su propio excremento presa de un temblor incontrolable. Y ese era su presente y su futuro.

Recomiendo leer a Thomas Sasz (El mito de la enfermedad mental), R.D. Laing (El yo dividido), y Franco Basaglia(Los crímenes de la paz) para ahondar en el análisis del papel represivo y aniquilador de las instituciones psiquiátricas (por lo menos las que pertenecen al estado).

Jacob's Ladder: Una escalera para bajar al infierno

2006-10-17T08:20:00.000-07:00

Dirección: Adrian Lyne

Guión: Bruce Joel Rubin

Fotografía: Jeffrey Kimball

Intérpretes: Tim Robbins, Elizabeth Peña, Ving Rhames, Danny Aiello, Eriq La Salle.

Origen: Estados Unidos, 1990

La guerra de Vietnam fue uno de los temas recurrentes del cine estadounidense a partir de la década de los 80’s y hasta entrados los años 90. Dentro del cúmulo de películas producidas en este período se pueden encontrar productos estridentes (Pelotón, Oliver Stone), sublimes (Birdy, Alan Parker) o simplemente mediocres (Hamburguer Hill, John Irvin). Un caso aparte lo representa Jacob´s Ladder de Adrian Lyne que solo utiliza este conflicto como un marco de referencia para crear una de las películas de horror más impactantes de todos los tiempos.

Y digo horror y no terror ya que, si bien somos testigo de una pléyade de alucinaciones y figuras grotescas, el horror proviene del sentirse total y absolutamente indefenso ante un mundo que se trastoca a cada instante y en el cual no hay un punto del cual asirse, no existe un nicho en el cual refugiarse para escapar de la locura, la perdición y la violencia.

Si alguna vez el descenso al infierno fue retratado de manera estrujante y más allá de lafábula bíblica para espantar chiquillos latosos, es precisamente en esta película.

Esta bien, un breve resumen: Jacob Singer es un empleado postal que vive atormentado por los recuerdos de su estancia en Vietnam y por la muerte de su hijo menor en un accidente de tránsito. Poco a poco empieza a tener alucinaciones en las cuales es testigo de la aparición de seres humanos marcados por la deformidad e incluso monstruos enloquecidos con cabezas que giran de forma enloquecida. Jacob no es capaz de discernir lo real y lo irreal, hundiéndose poco a poco en el infierno.

Incomprendida en su momento, esta cinta resultó un fracaso económico espectacular, pero gracias al dvd podemos recuperar esta joya que sirve para lavar el nombre de un director cuyas “obras” pertenecen al canal de desagüe (Una propuesta indecorosa, 9 semanas y media, Atracción fatal, Lolita).

Las noches de Cabiria: la esperanza en la miseria

2006-10-10T08:34:00.000-07:00

Dirección: Federico Fellini

Guión: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli

Fotografía: Aldo Tonti

Música: Nino Rota

Producción: Dino de Laurentis

Intérpretes: Giulietta Massina, Francois Perier, Franca Marzi, Dorian Gray, Amedeo Nazzari.

La prostitución ha sido un tema recurrente del cine casi de sus mismos orígenes. A veces visto con desprecio, a veces con ternura, el ejercicio de la profesión más difícil del mundo nos ha permitido ser testigo de la manera brutal que tenemos de explotarnos unos a otros los seres humanos.

¿Cuantas meretrices, suripantas, cabareteras, ficheras, trotamundos y callejeras no han paseado sus abundancias, miserias o tragedias por la pantalla de plata? ¿Será posible olvidar a Santa (Antonio Moreno, 1931), Yolanda la “tísica” en Nosotros los Pobres (Ismael Rodríguez, 1947), o Violet en Pretty Baby (Louis Malle, 1978)?: Personajes terribles, trágicos y dolorosos que nos recuerdan la absoluta inmundicia del género (in)humano.

Pero entre tanta basura, por las calles de la ciudad de Roma pasea Cabiria, trabajando la calle pero con el alma más blanca que una perla. Cabiria, niña-mujer magnífica en su inocencia, en su búsqueda de amor y consuelo, dispuesta a engañarse a si misma con tal de no negarse el derecho a la esperanza. Cabiria, un pequeño corcel con las patas rotas luchando siempre por levantarse sin lograrlo.

Mucha tinta ha corrido alabando esta cinta así que no me voy a explayar más sobre ella. Solo baste decir que todo aquel que no la haya visto se encuentra en pecado mortal por lo que resulta obligada su adquisición en versión legal o bucanera. Serán testigos de uno de los dos finales más hermosos en la historia del cine (el otro pertenece a Luces de la Ciudad, de Charles Chaplin).

Santo en el mundo de los muertos: recuperando la infancia

2006-10-09T10:07:00.000-07:00

Dirección: Gilberto Martínez Solares

Guión: Rafael García Travesí, Jesús Sotomayor Martínez

Música: Gustavo César Carrión.

Intérpretes: Santo, Blue Demon, Pilar Pellicer, Carlos León, Antonio Raxel, Guillermo Bianchi.

Origen: México, 1969.

Las películas del Santo resultan un fenómeno difícil de analizar ya que los puntos de vista con respecto a ellas van, desde el escepticismo a ultranza, al júbilo desbordado.

Un servidor no se inclina ni hacia un punto ni hacia al otro ya que, a pesar de haber crecido viendo con emoción estas películas en las funciones sabatinas del Canal 2 de Televisa, el implacable paso del tiempo me hizo darme cuenta de la enorme pobreza de estas producciones, su incoherencia y su absoluta falta de lógica. Pero a pesar de ello, nunca dejarán de ser parte de mi bagaje personal y, como adicto que soy a los placeres culposos, siempre que me sea posible revisitaré algunas de estas cintas especialmente ahora que han sido rescatadas en formato DVD.

La cinta que hoy me ocupa fue de las que me “apanicó” cuando tenía a lo mucho 8 años, y es que en aquel entonces los niños no teníamos ni internet, cable, celulares o cosas así por el estilo. Vivíamos todavía en un mundo en cual el proceso de convertirse en adolescente y adulto era especialmente peliagudo. Un mundo en el cual las ilusiones no se encontraban permeadas por el afán de posesión y en el que todavía era posible tener espacios para la fantasía y la imaginación. Un mundo en el cual el animismo era cosa de todos los días y, las leyendas y tradiciones eran cosa cierta que no debería ser juzgada.

Y en ese contexto veo, solo con mi abandono, esta película. Me espantó tanto que no podía dormir pensando en que en cualquier momento se me iba a aparecer la tía quedada de la llorona o el mismísimo chamuco.

Pero no pasó nada. Y crecí para convertirme en un criticón de cine sarcástico e innoble. Pero buscando en mis resquicios del pasado recupero al niño que alguna vez se emocionó ante el desfile enloquecido de “mostros”, brujas, anuales, vampiros, hombres-lobo, engendros del mal y demás tipos de dudosa reputación, que fueron vencidos, invariablemente por El Santo.

En esta cinta, El Santo Trabaja como una especia de Judicial en la época virreinal y se dedica a cazar entes que tengan pacto con el maligno. Después de tatemar algunos en la hoguera (y donde una hechicera lanza una maldición a cumplirse en 300 años), damos un salto temporal mayúsculo a plena época contemporánea donde, la bruja malvada con cara de Pilar Pellicer, llevará a cabo su venganza (no se apuren, El Santo le parte su madre a todos los espectros).

No voy a mencionar todos los defectos de esta cinta que son los mismos de todo el cine de luchadores.

Quizá si llegas a rentar o comprar esta cinta puedas burlarte de lo ingenuos que éramos hace 30 años, pero piensa en esto: ese mundo, mi mundo era mágico y con esperanza. ¿Cómo es el tuyo?

Bad lieutenant: La locura y perversión de quienes nos cuidan

2006-10-06T06:55:00.000-07:00

Dirección: Abel Ferrara

Guión: Zoe Lund, Abel Ferrara

Intérpretes: Harvey Keitel, Victor Argo, Paul Calderon, Leonard Thomas.

Fotografía: Ken Kelsh

Música: Joe Delia

Origen: USA, 1992

No existe forma de prepararse para el golpe en el bajo vientre que representa ver esta película. Brutal, despiadada, cínica, pervertida, son adjetivos que se quedan cortos ante el espectáculo monstruoso que se presenta ante nuestros ojos.

Y es que el seguir las andanzas de un policía (Harvey Keitel) en las calles de Nueva Cork, representa un descenso al mismo infierno, un infiero que vibra en las calles todos los días y a todas horas, un infierno en el que no existe la posibilidad para la redención, en el que los perversos son glorificados y eximidos de toda culpa, un infierno en el que los inocentes son violados, masacrados y escupidos, un infierno que cada día nos espera para devorarnos el alma, para podrir nuestros cuerpos, y para excretar en lo que nos resulta sagrado.

Abel Ferrara nos presenta de la manera más sórdida posible el trabajo cotidiano de este policía (del cual nuca sabremos su nombre) en el cual parece estar mucho más interesado en cultivar sus vicios que en sus actividades de investigación de homicidios. Envuelto en una vorágine de drogas, prostitutas, extorsión, alcohol, y una adicción al juego desbocada, el teniente malo del título encuentra en la búsqueda de los responsables de la violación a una monja su última oportunidad de redención.

Plena de secuencias capaces de sacudir al espectador más indiferente, quiero destacar una en particular. Aquella en la que Keitel, en pleno delirio alucinatorio, cree estar frente a Jesucristo y de rodillas, gimiendo como un animal al borde de la muerte, le reclama su abandono:

“¿Hay algo que quieras decirme? Desgraciado, infeliz, ¡maldito desgraciado! Di algo, sólo te quedas ahí parado. ¿Qué voy a hacer? ¡Debes decir algo! Maldito, sólo te quedas ahí parado y quieres que yo haga todo. ¿Dónde chingados estabas? ¡Dónde chingados estás? ¿Dónde chingados estabas? Lo siento. Lo siento tanto. Hice tantas cosas malas. Traté de hacer lo correcto pero soy demasiado débil. Necesito que me ayudes. ¡Ayúdame! Perdóname, ¡perdóname Padre!”

Esta cinta me llena de angustia ante la certeza de que por las calles de esta ciudad, y de este país, abundan los policías parecidos a este teniente. Pero dudo mucho que lleguen a buscar la redención.

En México Videomax sacó a la venta esta cinta con el ridículo nombre de “Corrupción Judicial”. Afortunadamente se publicó la versión integra (léase, sin censura), aunque no hubieran venido mal algunos extras, aunque fueran miserables. Pero como decía nuestro chido cómico Alfonso Zayas “Es mejor el 33 % de algo que el 100 % de ni madres”.

Una simple formalidad: una compleja maravilla

2006-10-05T07:40:00.000-07:00

Dirección: Giuseppe Tornatore

Guión: Giuseppe Torntore y Pascal Quignard

Intérpretes: Gerard Depardieu, Roman Polansky

Origen: Italia, Francia 1994

Cuando la pasión cinéfila empieza a decaer, nada como revisitar a unas cuantas vacas sagradas para poder recuperar esa pasión que amenazaba con adormecerse.

Dejando a un lado tanta estupidez, ayer por la noche (o más bien hoy por la madrugada) tuve la oportunidad de ver (gracias a mi buenos amigos Jesús y Carlos Tobías) Una simple formalidad, del italiano Giuseppe Tornatore, cinta que para mi sorpresa mayúscula se aleja totalmente del cine blandengue y ñoño que le resulta tan propio. Y es que, ¿qué podíamos esperar del director de cintas ridículamente cursis, fallidas o aburridas hasta el cocodrilazo, como Cinema Paradiso, La leyenda de 1900 o El fabricante de estrellas?, pues nada como esto.

Apoyado en las magistrales actuaciones de Polansky y Depardieu, Tornatore nos ofrece un relato asfixiante de engaños, misterios, complicidades y descubrimientos. Y digo asfixiante ya que casi toda la película se desarrolla en un solo escenario, pero es tal la intensidad de los intercambios de los protagonistas que el espacio prácticamente se desvanece y solo queda la imponente presencia de los actores.

Como de costumbre, y para los que luego no pueden dormir si no conocen la trama, pues ahí les va la mía (mi síntesis de la trama, jeje):

Un hombre (Depardieu) corre de noche por el campo y bajo la lluvia hasta que es detenido por un grupo de policías y es llevado a una comisaría. Estando ahí, el hombre es reconocido como un escritor relativamente popular pero en franca decadencia. El inspector responsable (Polansky) interroga al escritor al sospechar su participación en un crimen cometido esa misma noche.

Como traigo una enorme flojera de seguir escribiendo, pues hasta aquí llegamos.

Y no es que no haya visto más películas pero, ¿qué sentido tiene hablar de cintas intrascendentes?

2006-10-04T12:26:00.000-07:00

Pues así es la cosa mis querubines, no me he detenido en mis afanes de ver películas casi hasta que los ojos me sangran pero, así como hay cadenas y días maravillosos en los que he encontrado, en sucesión de gozosos descubrimientos, múltiples propuestas, versiones y diversiones para acrecentar la cinefilia, también hay otros días en los que las imágenes que pasan por mi Wega Sony de 29 pulgadas (en vías de extinción) solo provocan tedio, aburrimiento y tentación por el onanismo salpicado de porno ochentero.

Recién tuve la oportunidad de ver La joven con el arete de perla, Cadáveres excelentes y Todos los caminos llevan a casa, cintas de las cuales me ahorro los comentarios por considerarlas abuuridas, torpes, ingenuas, o simplemente soporíferas. Y es que después de ser testigo de los delirios exorcisantes y arrebatos histéricos de Alucarda, soplarme la ñoñez e intrascendencia de la relación de la viejita con el canallita de su nieto pues....

Y soy cursi como el que más y erudito como el que menos, y sigo disfrutando las películas de Juliancito (¿no han visto una en la que trabaja acarreando escombro para poder comprar su traje de primera comunión?), y el Loco Valdéz me sigue pareciendo una delicia como el Lobo Feroz (aunque ese méndigo pulgarcito siempre fué y será un hígado), y sigo viendo las películas de aventuras infantiles de Rene Cardona Jr. (acaban de editar en DVD Viaje Fantástico en Globo, ¡chulada de maíz prieto!), y me siguen conmocionando Casablanca, 2001, Rumble Fish y Betty Blue, pero... Ver películas que apuestan al desconocimiento y/o al olvido del espectador me parece lamentable ya que, por ejemplo, en esas tres cintas que les comenté al principio, se abordan temas que ya desde hace mucho tiempo, se habían tratado con mayor y menor fortuna. Y es que después de ver Caravaggio de Derek Jarman, La Bella Latosa de Jaques Rivette, y Vincent & Theo de Robert Altman, cintas llenas de intensidad en las que el artista es presentado como un alma torturada pero al mismo tiempo llena de pasión, tener que soportar La joven con el arete de perla se convierte en un espectáculo digno de "Mujer, casos de la vida real", eso si, con ambientación y fotografía muuuuuy correctas, pero sin alma.

Fajando en el cine...

2006-10-03T12:07:00.000-07:00

Como ya se va haciendo costumbre, si usted es un jovenzuelo(a) con chispazos de pubertad en su rostro, lo más probable es que nunca le haya tocado disfrutar un escarceo erótico (vulgo “fajezote”) en una vieja sala de cine. Pero como un servidor se acerca a los 40 años, y ahora recuerdo más de lo que hago, no me queda más que ver con nostalgia aquellas épocas adolescentes en las que, con mi pareja de turno, buscaba el cobijo de la oscuridad cinera para dar rienda suelta a la calentura y las exploraciones buco-manuales. En aquellos tiempos la elasticidad era condición sine qua non de los amantes furtivos, de tal manera que se pudiera alcanzar (con discreción, tampoco hay que dar espectáculo sin cobrar) el húmedo tesoro que susurrante nos anhelaba.

¿A poco nunca se han echado un fajecín en el cine?, ¿si?, ¿verdad que es rico?.

Grandes recuerdos tengo de los cines con balcón (el Charles Chaplin de plano cerró su segunda planta al ser ya casi descardo su uso como hotel de paso), o del Cine Foro en sus primeros tiempos. Al ser una sala por demás solitaria y cavernosa, era el lugar ideal para el intercambio de sudores, pasiones y arrumacos.

Recuerdo que en algunos cines como el Orfeón (en pleno barrio de San Juan de Dios y cerca, muy cerca de Obregón, calle famosa por sus mujeres de falda corta y lonja desbordante), el desfogue amoroso era tan común que nunca faltaba el tipejo armado de linterna que acechaba con su temible haz de luz a los amantes que se descubrían mutuamente en la estrechez de sus asientos.

Fajar en el cine significaba mucho más que manchar el pantalón, era el tiempo y el espacio en el que los amantes (condición no estrictamente necesaria) podían vibrar ante el efímero contacto de la piel y la humedad que, de otra forma, estaría vedada.

Consejo: Si desean explorar los múltiples placeres que proporciona el faje cinero, no vayan a ser tan ingenuos como para es-coger (je, je) una función de los X-Men en miércoles por la tarde. Elijan las películas que van de salida o cualquiera de esas del Tour de CineFrancés y que básicamente nadie pela.

Luego me platican como les fue.

Mis viejas salas de cine II

2006-10-03T08:32:00.000-07:00

Una buena parte de las salas de cine que visité en mi infancia no son ahora más que un puñado de polvo y viento (¡que mamila amanecí hoy!), pero alguno de los viejos galerones que en su momento fueron salas populacheros se convirtieron en espacios para el desarrollo de cultos de carácter religioso. Por ejemplo, el otrora Cine México, ubicado por la calle de Tolsá (ahora Enrique Díaz de León), se ha convertido en una de las sedes de "Pare de estar fregando", perdón "Pare de sufrir". Igual suerte han corrido el cine Azteca, el Cinema Colonial (¿en que otro cine del mundo se podía ver una de Alfonso Zayas y una de Wolfgang Petersen en la misma función?), y otras tanatas más no sólo aquí, sino en cualquier ciudad de este país.

Lo irónico de esto es que, si bien los cines eran un espacio para dar rienda suelta a las ilusiones y creer, aunque fuera por un rato, en el mundo de la fantasía, actualmente, y pese al cambio de giro, las ilusiones y la fantasía siguen ahí. Lástima que ya no vendan palomitas, pon-pons, semillas de calabaza, cacahuate garapiñado o gomitas de engrudo.

Children Underground / Nacidos en el burdel - Dos formas de entender el documental

2006-10-03T08:01:00.000-07:00

Children Underground

Directora: Edet Belzberg

Origen: Rumania – USA 2001

Born into brothels

Directores: Zana Briski, Ross Kauffman

Origen: USA 2003

Si bien el documental nunca ha sido un género popular en cuanto a su exhibición en circuitos comerciales, de manera relativamente reciente los espacios en los grandes complejos ubicados en las plazas comerciales han empezado a abrirse a este tipo de trabajos (les recomiendo que vean En el hoyo de Juan Carlos Rulfo), pero con resultados dispares ya que algunos de ellos solo se han visto de manera fugaz. Si se le diera un poco más de promoción y no se les relegara a salas pequeñas o apenas un puñado de funciones, el documental podría convertirse en una fuente significativa de ingresos.

El día de hoy quiero comentarles con respecto a dos documentales que si bien se ubican en lugares y condiciones distintas, llaman al mismo tiempo nuestra atención hacia el sector más desprotegido de todos: los niños.

En Children Underground somos testigos de las consecuencias derivadas de la caída del régimen comunista en Rumania. La crisis económica galopante dio origen a un crecimiento exponencial de la pobreza, creando a su vez una oleada de niños desamparados que buscaron (y buscan) en las calles el sustento y la intoxicación diarias.

Este documental nos presenta las vidas de 5 niños que viven en las instalaciones de una estación del metro en Budapest. Christina (16 años), viste como hombre y trae el cabello a rapa para evitar ser violada, Macarena (14 años) inhala pegamento constantemente, Ana y Marian (hermanos de 10 y 8 años) huyeron de una familia hundida en la miseria, y Mihail (12 años) que decidió escapar de casa con tal de evitar los abusos de su padre alcohólico.

La directora Belzberg nos presenta la vida cotidiana de estos niños sin pontificar, argumentar, o explicar lo que sucede, manteniéndose al margen de lo que transcurre delante de su cámara, y al mismo tiempo demostrando que a pesar de la violencia, las drogas, el hambre y el frío, los niños no han perdido sus capacidad de jugar, divertirse y sobre todo, aún tienen lo que nosotros adultos hemos perdido desde hace mucho tiempo: sienten compasión por su prójimo.

Nacidos en el burdel nos presenta de manera parcial la vida de los hijos de algunas prostitutas del barrio rojo de Calcuta, y digo parcial porque, a diferencia de Children Underground, la directora se involucra de manera directa con los niños para enseñarles el uso de cámaras fotográficas como una manera de escapar de una realidad asfixiante y dolorosa. Lo malo es que en este proceso una de las directoras se pone a si misma en plan protagónico (pobrecita, como sufre con las malvadas autoridades y burocracia Hindú), haciendo a un lado lo más importante, las historias de sus pequeños protagonistas, historia de las cuales apenas y llegamos a tener algunos esbozos que se pierden ante la incapacidad de la realizadora para crear un relato que nos permita ahondar en la tragedia de aquellos que, desde su más tierna infancia, saben que están destinados al horror y la miseria.

Este documental me parece especialmente tramposo y ruin ya que, además de no presentarnos a fondo las historias de sus personajes, proporciona un confort temporalmente irreal al espectador haciéndole creer que la fotografía, de alguna extraña manera, permitirá a los niños escapar de su destino. Por eso, la parte final del film lo único que hace es crear un desasosiego aún más grande. No hay escape. No hay futuro.

Mientras niñas de 12 años o menos son prostituidas en el mundo en este mismo momento, yo escribo, y tú lees.

Pero escribo con rabia y espero que tú leas con conciencia.

Alucarda, la hija de la obscuridad

2006-09-29T08:29:00.000-07:00

Dirección: Juan López Moctezuma

Guión: Juan López Moctezuma

Intérpretes: Tina Romero, Claudio Brook, Susana Kamini, David Silva, Manuel Dondé

Origen: México – USA 1974.

DVD: Mondo Macabro

Ayer por la tarde su servidor tuvo una experiencia delirante y gozosa con Alucarda, alucinante película de horror mexicana (aunque hablada en inglés) y que, a 32 años de haber sido filmada no ha perdido su capacidad de sorprender al espectador por sus excesos.

Y es que desde hace mucho tiempo no me había tocado ver una cinta de este género que me orillara a expresarme verbalmente por medio de una expresión tan soez como “¡ay hijo de la chingada!”. Y es que a pesar de que Alucarda es un híbrido extravagante en el cual se dan cita lesbianismo, decapitaciones, exorcismos, histeria, tortura, muerte, locura, y vampirismo (y todo en apenas 74 minutos), es justo en este cóctel de aparente incoherencia donde residen las principales virtudes de esta película.

Influenciado por el movimiento pánico de Alejandro Jodorowsky y por el teatro del “grand guinol”, Juan López Moctezuma creó una obra totalmente atípico en el contexto del cine mexicano de principios de los años 70, período en el cual el estado emepezó a participar de manera activa en la industria cinematográfica nacional Y digo atípica porque Aucarda nada tenía que ver con el cine de supuesta denuncia social, costumbrista y/o indigenista.

Para los que sienten traicionados si no cuentan con una descripción de la trama o argumento (cual maestros caducos de literatura), pues aquí les va:

Después de un breve preludio en el que una mujer da a luz en lo que parece ser una catacumba (de cartoncito, of course), damos un salto en el tiempo hasta 1868 en el que una joven llamada Justine (inocencia para la perversión, ¡que deliciosa combinación!), llega a una especie de convento u orfanato en el que para su mala suerte le toca como compañera de cuarto la ahora quinceañera Alucarda, quién la seducirá con sus juegos obligándola al mismo tiempo a jurarse amor eterno.

Y justo aquí empieza la diversión ya que en plena clase de catecismo Alucarda y Justine reniegan de las enseñanzas religiosas y hablan en idiomas extravagantes mientras juran lealtad al maligno. Claro que esto no es bien visto por los sacerdotes y las monjas (que por cierto, les encanta autoflagelarse), por lo que solo queda la opción de, ¿qué creen chamacos?, un exorcismo delirante, pleno de desnudos, sangre, tortura e histeria generalizada.

Contarles más sería quitarle mucho del placer culposo en que puede convertirse ver esta cinta pero, hombre, ¿cada cuando se puede ver una película que combine vampiros, tortura, lesbianismo, tortura, mutilaciones, imaginería religiosa, decapitaciones, brujería, desnudos, posesiones, monjas ardiendo (en llamas, no sean mal pensados), orgías, y al mismísimo chamuco en persona?

Por cierto, la cinta fue rodada en inglés por los propios actores, doblándose posteriormente al español, pero con actores ibéricos en una versión puritana y mojigata, ya que en dónde uno de los personajes afirma “Tu dios no me sirve de nada”, en castellano se escucha “muere, muere, muere”.

El dvd de Mondo Macabro es altamente recomendable ya que incluye una semblanza del irecto, una entrevista en texto y una pequeña charla con Guillermo del Toro en la cual hace una reflexión sobre el contexto en el cual surge la película y su impacto en otros cineastas.

Interesados, comuníquense.

El decálogo de Kieslowski: Capítulo 1

2006-09-28T06:58:00.000-07:00

Decálogo 1: Amarás a Dios por sobre todas las cosas.

Dirección: Krzysztof Kieslowski

Guión: Krzysztof Kieslowski, Krzysztof Piesiewicz.

Fotografía: Wieslaw Zdort*

Música: Zbigniew Preisner*

Intérpretes: Hanryk Baranowski, Wojciech Klata, Maja Komorowska, Artur Barcis.

Por el descanso de su alma… tú no mencionaste un alma.

Es una manera de despedirse. El alma no existe.

Mi tía dice que si hay un alma.

Algunos encuentran la vida más fácil si creen en eso.

¿Y tú?

¿Yo?, francamente no lo sé.

Ríos de tinta en alabanza han corrido sobre los films del desaparecido cineasta polaco Krzysztof Kieslowski, que si bien es en su conjunto una de los obras más congruentes y consistentes de la cinematografía moderna, no deja de ser al mismo tiempo sumamente cuestionable ya que si bien podemos encontrar cintas indispensables para los amantes del cine de autor (La doble vida de Verónica, El Decálogo), sus últimos trabajos (la trilogía Azul, Blanco y Rojo) presentaron signos de agotamiento.

En esta ocasión me voy a referir, por partes, al que considero el más importante de sus trabajos, El Decálogo, ya que esta obra por si misma hubiera garantizado su acceso al olimpo de los cineastas sentado a la derecha de Bergman y a la izquierda de Tarkovsky.

Amarás a Dios por sobre todas las cosas. Es el primer mandamiento que aprendimos (pero no comprendimos) en aquellas lejanas lecciones de catecismo, por lo menos aquellos quienes fuimos obligados a repetir los rituales del catolicismo.

Pero al mismo tiempo es la primer negación de los mandamientos, situación que se repite en cada uno de los ¿capítulos?, ¿episodios?, la imposibilidad de cumplir con una serie de ordenanzas y restricciones que parecen ir en contra de eso que vagamente conocemos como “naturaleza humana”. Y es que ante la tragedia cotidiana y su dolor insondable resulta muy difícil amar a una entidad que guarda silencio o que simplemente se esconde para no dar respuestas o por lo menos un poco de mísero consuelo.

Un hombre vive en compañía de su hijo en un pequeño departamento en el que, además de convivir, comparten su gusto por los juegos matemáticos, el ajedrez y las charlas que muchos quisiéramos haber tenido con nuestros progenitores. Charlas sobre la muerte, dios, la existencia del alma, y fórmulas matemáticas para calcular factores de congelación.

Cuando la tragedia impacta de manera inevitable este pequeño núcleo, no puede haber consuelo alguno, sólo existe el rechazo ante una fe y las imágenes de estas derivadas, y que a su vez de nada le sirven ya que no puede haber consuelo en algo en lo que nunca se ha creído y que, de acuerdo a la vida misma, sería absurdo creer.

No deja de sorprenderme (y de conmoverme, para que lo niego) el cómo tantos y tantos millones personas puedan amar a alguien a quien no han visto, no los escucha y no los ayuda.

* Mención aparte merecen la música de Priesner y la fotografía de Zdort, verdaderos prodigios auditivos y visuales, si bien la edición en dvd de Facets Video no puede calificarse de otra manera más que descuidada o simplemante holgazana.

Casshern: El prodigio visual y la tragedia

2006-09-25T10:46:00.000-07:00

Director: Kazuaki Kiriya
Guión: Kazuaki Kiriya
Intérpretes: Yusuke Iseya,Kumiko Aso, Akira Terao, Kanako Higuchi.
Origen: Japón, 2004

En un futuro alternativo de la humanidad (idea común en los textos de Philip K. Dick), el continente que ahora conocemos como Asia se ha reorganizado en la Gran Federación del Este. Su gobierno, totalitario y represivo, ha llevado a sus habitantes al borde mismo de la aniquilación a causa de una guerra brutal y la contaminación irremediable del medio ambiente.

En medio de un panorama gris hay un atisbo de esperanza en los trabajos del Dr. Azuma quien, aparentemente preocupado por el futuro de miles de vidas, en el fondo sólo está luchando para tratar de salvar de la muerte a la mujer que ama.

Pocas veces he visto en mi vida películas que me impacten de una manera tan profunda en cuanto a su aspecto visual. No hay manera de describir el impacto visceral en el espectador de las imágenes que aparecen en pantalla. Pero no solo eso, el director de esta cinta comprendió que, de nada sirven los artilugios visuales si en el fondo no se presenta un historia en la que los más importante no son las maravillas digitales generadas por ordenador, sino las tragedias, pérdidas y decisiones que asumen y enfrentan cada uno de los personajes. Somos testigos de un tiempo y mundo brutales en el que cada una de las acciones parece estar permeada por la nostalgia de un mundo en que la belleza no era una anomalía.

Es una verdadera lástima que esta cinta no pueda ser vista en donde pertenece, la pantalla grande, y que, tristemente, sólo puede ser conseguida en su versión bucanera (pirata, pues). Recientemente apareció publicada una columna en el suplemente Ocio del periódico Público en el cual se reflexionaba con respecto al cine que nunca llega a los circuitos comerciales o a las tiendas como Mixup, y que solo es posible adquirir de manera furtiva. Quizá este mal pero, ¿de que otra manera podríamos conseguir material que rete nuestra inteligencia?. Interesados en compartir material, no duden en comunicarse.

Memoria y podredumbre

2006-09-22T08:02:00.000-07:00

No solo me fueron arrebatados los cines de mi infancia y juventud. Con ellos también desaparecieron calles, plazas, esquinas, personas, resquicios, árboles, flores y escaleras. Aquella tienda de discos donde adquirí mi primer CD (Conciertos para violin de Bach) es ahora un lugar pútrido en el que una indigente, sentada en un charco de su propia orina y excremento, tiende su mano hacia la indiferencia. Esta ciudad, mi ciudad triste y derruida, ha sido violada por la locura, la podredumbre y la desesperanza. Caminar por sus calles se ha convertido en una experiencia dolorosa, y es que el ser testigo de la aniquilación nunca será cosa fácil. Antes tenía el consuelo de la memoria, pero me pregunto de que me sirve si aquello que recuerdo probablemente nuca existió.

Mis viejas salas de cine...

2006-09-21T12:52:00.000-07:00

Mis filias no tienen que ver solamente con las películas, sino además con aquellos lugares maravillosos que hoy se encuentran en franca extinción y que respondían al nombre de “cines”. ¿Los recuerdas?. Si eres menor de 20 años lo más probable es que no hayas tenido la oportunidad de visitar aquellas salas magníficas que, con la llegada de los complejos cinematográficos aniquilaron los espacios en que nosotros, los que pasamos de 30 y frisamos los 40, fuimos seducidos por primera ante el mágico despliegue de imágenes de las pantallas de plata.

Cines como el Park, Avenida, Cuauhtemoc, Sorpresa, Metropolitan, Diana, Variedades, Obregón, Teatro Juárez, Latino, Guadalajara, Charles Chaplin, Versalles, Américas, Rex, Roxy, Colonial, Teatro Cinema Acuario, El Refugio, etc. , tuvieron que cerrar sus puertas ante la ausencia de espectadores. Y no era para menos, muchos de estos cines se habían convertido en galerones infames en los cuales la proyección, el sonido, y las butacas eran aptas solamente para masoquistas.

Aún así, no puedo dejar de ver con nostalgia aquellos tiempos en que cada cine tenía su personalidad, en que las salas eran un prodigio de la arquitectura, cuando se podía ver en un cine de barriada un programa doble integrado por el Ciudadano Kane de Welles y Zelig de Woody Allen, cuando antes de entrar era posible surtirse de semillas de girasol, gomitas, cacahutes y papas en el infaltable carrito de la entrada, cuando siendo niño era no era mal visto que uno corriera como demonio de tasmania alto de anfetaminas por los pasillos. Cuando el cine era una experiencia, no sólo un entretenimiento.

De todas aquellas viejas salas sólo queda el Cine del Bosque, mismo que se resiste a morir gracias a sus clientes de siempre. Hay otras salas que persisten, pero dieron el viraje a la exhibición de material pornográfico en video.

En una de estas salas, la Greta Garbo, tuve la oportunidad de ver a principios de los años 80 un ciclo extraordinario dedicado al rock y en el que se rescataron clásicos como Quadropenia, The Song Remains The Same, The Last Waltz, Woodstock, Let There be Rock, Hair, y otros títulos maravillosos que probablemente le resulten totalmente ajenos a los jóvenes fanáticos de Lupillo Rivera y el reggetón (¿se escribe así?).

Para no abusar de su paciencia, en un post futuro les platicaré de los autocinemas Ritz y Real y de los tiempo en los cuales era posible ingresar al cine con un plato de pozoles y dos flautas de carne chorreando salsa verde, crema y queso.

God's lonely man: la imposibilidad de la redención

2006-09-21T09:04:00.000-07:00

Dirección y guión: Francis Von Zerneck. Intérpretes: Michael Wyle, Heather McComb, Ginger Lynn Allen

Desde la cita inicial en la que se nos recuerda que la condición ineludible de todos los seres humanos es la soledad, hasta la declaración final y certeza de la inutilidad del sacrificio y la imposibilidad de la redención, God`s lonely man es un paseo por el infierno, un viaje enloquecido por el sub-mundo ante el cual tu Dios prefiere cerrar los ojos y pasar de largo.

Ernest Rakman, drogadicto, empleado de un sex-shop, asesino a sangre fría, encuentra en una prostituta de "casi 15 años" la posibilidad, la esperanza, de redimirse y por fin, encontrar una vía de salida ante un mundo en el que ni siquiera el suicidio puede traer un poco de consuelo.

Me pregunto cuantas almas solitarias y despedazadas como Ernest rondan por la calle todas las noches.

Inspirada principalmente en Taxi Driver de Martin Scorsese, este film desconcertó a muchos por un epílogo en el que, aparentemente, hay un final feliz. Pero en esta aparente tranquilidad, en esa calma, llega la certeza de que se está en el ojo de la tormenta y, eventualmente, el estridente alarido de la locura se instalara en el centro de nuestras almas.

In the mood for love: La eternidad en un solo gesto

2006-09-21T08:52:00.000-07:00

Dirección: Wong Kar Wai. Guión: Wong Kar Wai. Intérpretes: Tony Leung, Maggie Cheung.
Origen: Hong Kong - Francia, 2000.

La infidelidad como detonante de la pasióm. La imposibilidad de traicionar a aquel para quien ya no importamos. La vida que se decide en un instante. La soledad irrenunciable. La búsqueda incesante del pasado.

No todo lo que viene desde Asia está cargado de niñas greñudas con tortícolis, karatekas voladores o armas ligeras como aviones de papel pero poderosas como una bomba de hidrógeno. Wong Kar Wai nos presenta un demoledor relato de dos seres solitarios, tristes, que ante el desconcierto de saberse engañados por sus parejas, intentan, por un instante, convertirse en lo mismo que detestan.

Pero en cada breve encuentro, en cada espera bajo la lluvia, en cada instante de silencio plagado de dudas y esperanzas, pende sobre nuestras cabezas la certeza de que el amor, la felicidad, el encuentro definitivo de los anhelos de dos amantes, jamás ha de darse.

Indispensable para todos aquellos que detesten la comedias románticas y los "happy endings", In the mmod for love" debe , más que verse, contemplarse como si fuera el paisaje de una tarde de lluvia, visto desde la ventana de una auto que se dirige hacia ninguna parte.

Quizá todos estamos dispuestos a enamorarnos, pero nunca a amar.

La versión de Zafra Video es altamente recomendable, edición con dos dvd y un número significativo de extras.

Audición: Buscando el amor se llega al infierno

2006-09-21T07:57:00.000-07:00

Director: Takashi Miike. Guión: Daisuje Tengan (pa' que se entretengan). Fotografía: Hideo Yamamoto. Música: Koji Endo (en serio, así se llama). Intérpretes: Rio Ishibashi, Eihi Shiina, Miyuki Matsuda. Origen: Japón 1999.

De manera relativamente reciente, los aficionados al cine mexicanos hemos tendio la oportunidad de acceder, principalmente a traves del dvd, a expresiones cinematográficas recientes que en buena medida nos resultaban práctimente desconocidas.

Uno de estos casos es el cineasta japonés Takashi Miike, mismo que a partir del descubrimiento y valoración de su obra por los círculos especializados de Estados Unidos y la edición en dvd de buena parte de sus películas, ha llegado a México si bien de manera relativamente tardía.

Y digo tardía ya que este director se caracteriza por un ritmo frenético en cuanto a la producción de sus filmes. La revisión de su filmografía en la página allmovie.com nos permite identificar que, por ejemplo, e el año 2000 estrenó seis películas. Mientras tanto, aquí en mexicalpan de las tunas, sólo se han editado dos, Una llamada perdida y la que pienso cometar hoy: Audición.

Antes que nada, pienso que la obra de este señor se encuentra especialmente sobrevalorada. Si bien hay hallazgos visuales interesantes, la tendencia excesiva y a veces descarada hacia los momentos "shock", y los persistentes delirios narrativos, hacen que me resulte muy difícil considerar a Miike más allá del equivalente japonés de un director de videohome (¿quieren ver algo de verdad delirante?, consigan con su pirata de confianza "Y tu puta madre también es narca" y "La suburban rosita").

Sin embargo, Audición se cuece aparte. Es el garbanzo de a libra. Es una reflexión sentida y demoledora sobre la búsqueda del amor, sobre las promesas no cumplidas, y la crueldad sin límites del ser humano.

Lo que empieza como un melodrama aparentemente inocuo sobre un hombre entrado en años a la búsqueda de compañía femenina, se transforma, de golpe, en un viaje delirante al infierno, en el cual, y como el protagonista, sólo nos queda presenciar como testigos mudos e inmóviles, la salvaje locura del que se cree engañado.

Quality films editó en México este dvd, pero el transfer, para no variar, presenta serias deficiencias (pixelación, ruido cromático, audio siseante, extras miserables). Sugiero buscar la edición especial en zona 1.

Bob Flanagan: Supermasoquista

2006-09-21T07:53:00.000-07:00

Director: Kirby Dick. Participantes: Bob Flanagan, Sheree Rose. Origen: Estados Unidos, 1997 (documental)

Un servidor fue alguna vez psicólogo, carrera que abandoné a partir del año 1991. Pero 15 años después siguen llegando las preguntas: ¿qué significa soñar esto?, ¿por qué esta persona actúa así?, ¿podrías aplicarme un test para “medir” mi personalidad?, etc. Las preguntas más divertidas suelen ser las que tocan cuestiones de índole sexual, como la de aquel tipo que me preguntó si era un pervertido porque se excitaba al ver defecar a su gato.

Y hablo de las preguntas de índole sexual porque el documental Sick es un acercamiento, hilarante y al mismo tiempo desgarrador, de la vida y muerte de Bob Flanagan, artista de performance (whatever that means), que agobiado desde su nacimiento por la fibrosis quística, encontró en el masoquismo la fórmula para desviar el dolor y la miseria de una enfermedad incurable.

De antología resultan algunas secuencias particularmente aquella en la que Bob atraviesa su pene con un clavo y un martillo, fijándolo a una tabla y, una vez desclavado, dejando gotear la sangre sobre el lente de la cámara.

Lo que más me impresionó de este documental no fue la capacidad de sacudir al espectador con sus imágenes y relatos, sino la mirada compasiva del realizador hacia la vida y el tiempo de Bob. Quizá la mayoría de los que lean esto no estarán dispuestos a ser humillados, golpeados, vejados, colgados, perforados, o penetrados, pero la forma en que el director Kirby nos acerca al sufrimiento particular de un ser humano, nos lleva a reflexionar sobre las múltiples maneras que tenemos de enfrentar nuestras tragedias particulares.

Ni se molesten en buscar este DVD en Mixup o tiendas similares. Mejor acudan con su pirata de confianza y vean este documental acompañados de un six de cerveza. Y no lo presten a nadie, pueden pensar que son unos pervertidos.

Pero al fin y al cabo, ¿quién no lo es?.

Happy Together: La dulce ironía de lo imposible

2006-09-21T07:46:00.000-07:00

Dirección: Wong Kar Wai.Guión: Wong Kar Wai. Fotografía: Christopher Doyle.Intérpretes: Tony Leung, Leslie Cheung. Origen: Hong Kong 1997

I can't see me lovin' nobody but you, for all my life

When you're with me, baby the skies'll be blue, for all my life

Me and you and you and me, no matter how they toss the dice, it has to be

The only one for me is you, and you for me, so happy together

Antes que nada, no creo que exista un cine con temática homosexual así como tampoco creo que exista un cine con temática heterosexual. Solo puedo creer en la reflexión sobre la múltiples y tortuosas maneras en que se relacionan los seres humanos. Me resisto a etiquetar las películas a partir de las elecciones de los protagonistas.

Digo lo anterior porque esta extraordinaria cinta no es para todos los gustos ya que al abordar los encuentros y desencuentros amorosos de dos hombres puede generar urticaria en sensiblidades machistas e intolerantes.

Sin utilizar una narración lineal, Wong Kar Wai nos presenta una serie de viñetas enmarcadas en un Buenos Aires totalmente ajeno a las postales, en las que se muestra una relación de pareja inmersa en una espiral de reclamos, agresiones, abandonos y desprecio, y que no termina por hundirse del todo.

Esta no es una película gay, es una reflexión irónica, desde el mismo título, sobre la búsqueda del amor y la terrible soledad del ser humano que no puede, no sabe o no quiere resignarse ante la inevitabilidad de la pérdida.

Freaks: los mounstros no están en el circo

2006-09-21T07:42:00.000-07:00

Dirección: Todd Browning.Guión: Wiilis Goldbeck, Leon Gordon.Intérpretes: Wallace Ford, Leila Hyams, Olga Baclanova, Rosoco Ates.Origen: Estados Unidos, 1931

*

¿Cuantas veces les dije que no se asusten?,¿no les he dicho que Dios protege a todos sus niños?

Después de muchos años de haber tenido conocimiento de esta película, por fin, y con mi pirata de confianza, pude conseguir una copia prístina de la obra maldita de Todd Browning.

Aborrecida y admirada con la misma vehemencia, Freaks nos lleva al mundo de los “sideshows”, caravanas ambulantes de circo que tenían en la exhibición de seres humanos con deformidades uno de sus principales atractivos.

Browning nos presenta una historia trágica de deseo entre aquellos que son “deformes” y los mal llamados seres humanos “normales”. La pasión que despierta una trapecista en un hombre pequeño es el punto de partida para presentarnos un puñado de seres que, con distintos niveles de incapacidad, hacen de su tragedia la única forma de sobrevivir.

Pero los monstruos no son ellos. Por medio de una serie de viñetas nos es posible acercarnos al mundo de estos personajes en el que las emociones y deseos de cada día son idénticas a las tuyas y las mías. Los monstruos son aquellos que los desprecian, explotan y, por último, abandonan a su suerte.

La versión en dvd es obligatoria ya que incluye, además de dos finales alternativos, una retrospectiva sobre la creación del film con la participación de dos de los protagonistas. No se ha editado en México, por la que versión bucanera es obligatoria.

1984: La vigencia de la pesadilla

2006-09-21T07:11:00.000-07:00

Director: Michael Radford.Guión: Michael Radford. Intérpretes: John Hurt, Richard Burton, Suzanna Hamilton.Fotografía: Roger Deakins.Música: Eurythmics.Origen: Reino Unido, 1984

Quien controla el pasado, controla el futuro.
Quien controla el presente, controla el pasado.

Para el pasado, o para el futuro, para la época en que se pueda pensar libremente. Desde la edad del Gran Hermano, desde la edad de la Policía del Pensamiento, de un hombre muerto, ¡saludos!

Existe la verdad y lo que no es verdad. La libertad es poder decir libremente que 2 más 2 son 4. Si se asegura, le seguirá lo demás.

En múltiples ocasiones se ha debatido por parte de gente muy sabia con respecto a la prudencia, impertinencia o franca desvergüenza en cuanto a la adaptación a la pantalla grande de las obras literarias, por mi parte no deseo abonar a esas discusiones ya que considero por demás inútil discutir con un fanático obsesivo-compulsivo con respecto a como cineastas sin alma han destrozado sus bienamadas lecturas (por ejemplo, la adaptación de El Señor de los Anillos causó la ira de más de un fanático de Tolkien).

Pero en fin, hoy quiero comentarles que, después de un buen rato de búsqueda infructuosa, tuve la oportunidad de conseguir una copia de 1984, cinta de Michael Radford en la que adapta la novel de George Orwell.

Tuve la oportunidad de ver esta cinta en la ahora extinta sala de cine del Instituto Cultural Cabañas en 1985. En su momento fue una experiencia impactante ya que, por fin, me había tocado presenciar una adaptación que, sin replicar cada uno de los personajes, ambientes y situaciones de la novela, creaba un mundo de pesadilla, ominoso y depresivo en el que solo es posible la lealtad al partido y el amor al Gran Hermano.

Para los que se sienten ofendidos si no cuentan con una breve descripción de la trama de la película, les cuento que esta película está situada en unaciudad de Londres arrasada por una guerra atómica y en la que un estado totalitario y represivo vigila permanentemente a los ciudadanos por medio de pantallas de televisión. El personaje principal es Winston (John Hurt), un tipo solitario y agobiado por la culpa que se cuestiona, mediante la escritura de un diario, el significado de la libertad, cuestionándose el por que se encuentran prohibidos la libertad de pensamiento y el sexo. Involucrándose en una relación amorosa prohibida con una compañera de trabajo, Winston emprende un descenso al infierno de la mano de uno de los altos mandos del partido y que lo llevará a traicionar aquello en lo que alguna vez creyó.

Raramente un proceso de adaptación a imágenes puede hacerle justicia a la palabra escrita, y es que nada puede compararse al poder de las ideas, y sin embargo, esta adaptación es, por lo menos para mi, la mejor transposición de una obra literaria a la pantalla grande.

22 años después, en un mundo en el que se exige fidelidad a figuras políticas endebles y ridículas, 1984 no ha perdido ni un ápice de su vigencia y, por lo tanto, es referencia obligada para todo aquel que mire con suspicacia a la política y sus actores.

Y no solo a ellos, ¿Cuántos de nosotros no hemos tenido que guardaromitirolvidar nuestras opiniones en el contexto de la chamba? . Por lo menos en mi estancia en cierta institución me ha tocado estar en situaciones en las que sólo ha sido válida la opinión de los jefazos, por más absurda, incoherente, irracional, delirante, insostenible, o simplemente estúpida que esta sea.

En el contexto institucional, tener opiniones propias me ha llevado a ser una nopersona.