En este espacio daré rienda suelta a mis balbuceos cinéfilos con reseñas de las películas que van pasando por mi aparato reproductor (de dvd), y con sesudas pero inútiles reflexiones sobre todo aquello que mis lectores consideran ofensivo, grotesco o simplemente inútil.
Intérpretes: Nicole Kidman, Julianne Moore, Maryl Streep, Ed Harris, Claire Danes.
Duración: 114 min.
Origen: Estados Unidos, 2002.
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Quería escribir sobre todo. Todo lo que sucede en un momento. Como lucían las flores cuando las llevabas en los brazos. Como huele esta toalla, como se siente. Este hilo. Todos nuestros sentimientos, los tuyos y los míos. La historia de eso. Quienes fuimos en algún momento. Todo en el mundo. Todo mezclado. Todo está mezclado ahora. Y fallé.
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Con afecto para la Trompetista de Falopio
Tres mujeres. Tres historias marcadas por la tragedia contenida. Tres mujeres enfrentadas a la decisión y un destino que no existe. Tres mujeres luchando por sostener un mundo que se desploma de manera inexorable. Tres mujeres aferrándose a las pocas cosas que les llenan la vida y eludiendo los demonios de la locura. Tres mujeres que son todas las mueres en todas las épocas, en todo momento, en cada habitación, en cada calle, en cada esquina. Tres historias que desgarran sin compasión.
Las horas nos presenta tres historias sobre mujeres que, aunque transcurren en épocas distintas, nos presentana personajes marcados por la tristeza y la desesperación. En 1923 Victoria Wolf (Nicole Kidman) lucha con una enfermedad mental mientras intenta escribar lo que a la postre seria su obra más conocida, la Sra Dalloway. En 1951 Laura Brown (Julianne Moore) es una ama de casa que descubre el enorme desprecio que le causa su vida hogareña sintiendo el impulso de acabar con su vida. Por último, en el año 2000, Clarissa Vaughn (Meryl Streep), es una editora de libros que intenta ayudar a un escritor enfermo de SIDA, organizando una fiesta para que este celebre el haber obtenido un prestigiado premio literario, premio que le resulta totalmente indiferente ante la certeza de una muerte atroz.
Profundamente conmovedora, esta cinta es totalmente atípica en el marco de su compañía productora (Miramax). Cada uno de los elementos conjuntados en esta película ayudaron a crear algo que cada vez se puede ver menos, un filme inteligente y emotivo. Ideal para los que, como yo, en estas épocas decembrinas, les da por sentirse miserables.
Nunca he pintado sobre el cuerpo de una mujer. Tu piel será el mejor lienzo.
Realmente son muy afortunados porque podrán acompañarte siempre. Y cuando tu llores, ellos llorarán contigo. Y cuando rías, se alegrarán contigo. (Utamaro después de pintar sobre la espalda de una geisha)
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Si bien poco o nada puede decirles a mis lectores el nombre de Kenji Mizoguchi, decidí hacer una breve reseña de esta cinta ya que, además de ser una obra de un indudable valor histórico (fue uno de los primero filmes producidos en Japón después de la II Guerra Mundial) representa además uno de los films más importantes del cine japonés de todos los tiempos.
La obra de Mizoguchi es prácticamente desconocida de este lado del planeta principalmente porque, después de la guerra, el 75 por ciento de sus films fueron destruidos por la fuerza de ocupación norteamericana. A pesar de ello, algunas de sus cintas han sido recuperadas en video y en dvd, aunque en condiciones muy lamentables. De hecho, la única cinta que se encuentra disponible en este momento es justo esta que estoy reseñando.
Utamaro y sus 5 mujeres es un retrato de la vida cotidiana de un pintor en una pequeña provincia de Japón, particularmente sobre su obsesión con el cuerpo femenino y su belleza. Al dedicarse primordialmente al bijin-e (retratos de geishas), Utamaro creó
una serie de retratos maravillosos que, en su momento, funcionaban como la publicidad que hoy se reparte en tarjetas que dicen foto real.
Hay una escena de una fuerza y delicadeza extraordinarias en la que Utamaro realiza un dibujo en la espalda de una Geisha como guía para un tatuador. La pasión al realizar esta tarea es un ejemplo maravilloso no solo de la devoción del artista por su trabajo, sino además del profundo respeto por mujeres que, en el trágico mundo de la prostitución, eran desechadas de manera continua para dar paso a mujeres cada vez más jovenes..
Como nota final, es importante señalar que esta cinta fue realizada bajo una estricta supervisión de las fuerzas invasoras para evitar que hubiera cualquier tipo de temática que contradijera la ideología del american way of life.
Hoy quiero compartirles mi "top ten" personal de las películas que más me han gustado en el transcurso de mi sarnosa afición por el cine. No están en un orden particular pero, en mi humilde opinión, son cintas indispensables para todo aquel que crea que el cine es más calido quela vida.
Intérpretes: Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre, Marie Dubois
Aspecto en pantalla: 2:40:1
Origen: Francia, 1962.
Duración: 104 min.
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Tu dijiste “te amo”, yo dije “quédate”. Yo casi dije “llévame contigo”, tu dijiste “vete”.
Deja que una se vaya para que lleguen otras diez.
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De manera tardía pero reconfortante me tocó ver esta la tercer cinta de largometraje de Francois Truffaut, mismo que después de haber sido un feroz crítico en la revista Cahiers Du Cinema (inventó el término “el cine de papá”) había debutado de manera deslumbrante con Los 400 golpes.
En este caso Truffaut nos presenta la historia de los amigos Jules y Jim (Serre, Werner) que vagan por la vida sin mayores preocupaciones hasta que un mal día conocen a Catherine (Moreau) la mujer que cumple con sus expectativas de belleza, personalidad, rebeldía, irreverencia, aficiones y lealtades. Y digo mal día porque tanto Jules como Jim se enamoran de ella, sin que Catherine pueda decidir en definitiva por uno o por el otro.
La historia transcurre durante un período de 20 años antes, durante y después de la primera guerra mundial. Tiempo en el que Catherine ira cambiando sus afectos, no solo por Jules y Jim, sino también por otros hombres.
Trágica por su resolución, Jules y Jim es un emotivo y al mismo tiempo desolador relato sobre la búsqueda del amor, las oportunidades perdidas y sobre la imposibilidad, a veces, de poder llenar las expectativas de las personas que dicen amarte.
Altamente recomendable, ni la busquen en Mixup, mejor acudan con su pirata de confianza.
Un servidor es un aficionado al cine de artes marciales desde hace muchos años. Recuerdo con especial afecto las tardes que pasé en los cines de barrio de Guadalajara (Sorpresa, Avenida, Park, Obregón, Guadalajara, Latino) y en las cuales pude emocionarme con una enorme serie de películas, casi indistinguibles unas de otras, pero pletóricas de golpes, saltos, acrobacias, malos muy malos, buenos impecables, heroínas en desgracia, y múltiples entuertos que había que “desfacer” a fuerza de aporrear la humanidad de quien se pusiera enfrente.
Pero hoy le toca a Fearless, la que se supone es la última cinta de acción de Jet Li, estimable acróbata que, al contrario de Van Damme, Jackie Chan, Dolph Rundgren, y otros tumba-carne, decidió retirarse en el punto más alto de su carrera con la que, a mi parecer, es una de las mejores cintas de este género que haya tenido oportunidad de ver, si no es que la mejor.
Recientemente se han exhibido cintas como Héroe o La Casa de los Cuchillos Voladores que, si bien utilizan las artes marciales, son solamente un elemento para el desarrollo de sus respectivas tramas, pero no giran en torno a secuencias de acción.
Fearless nos presenta una reflexión profunda y compasiva sobre el sentido último de las artes marciales, las consecuencias derivadas del uso indiscriminado de la violencia, y la búsqueda de la redención.
Mis apreciables lectores, hoy quiero compartir con ustedes algunos videos de mis músicos de jazz favoritos: John Coltrane, Miles Davis, Chet Baker y Stan Getz. Les pido tengan a bien darse la oportunidad de disfrutarlos. Se agradece cualquier comentario.
Algunos domingos empiezan bien y terminan mal. Es difícil de creer. Es una locura rechazar la felicidad. Si esto volviera a suceder, ¿qué haría? ¿Podría hacer algo más? Verla por meses y terminar como amigos.
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Por fin se me hizo ver una de las películas más populares de los años 60. Y… ¿saben que?, en verdad que ya no las hacen como antes.
Aunque ha sido despreciada por cierto sector de la crítica que la ha calificado como un producto edulcorado y blandengue, encontré en esta cinta un emotivo relato de dos seres humanos que, ante sus tragedias personales, deciden (aparentemente) darse la oportunidad de volver a disfrutar la presencia y compañía de otro ser humano.
A pesar de que data de 1966, la temática y su exposición me parecieron totalmente apegados a la vida en si misma. Esto es que no se presentan grandes complicaciones o sucesos que alteran, modifican o trastocan la vida de los amantes. Por el contrario, Claude Lelouch nos lleva de la mano para ser testigo de un romance como cualquier otro. Un romance en el que se hacen presentes las huellas de los que ya no están, el temor de iniciar de nuevo, el impulso de hacer cosas porque si, la despedida forzada como defensa ante la posibilidad del dolor…En fin, tantos y tantos breves pero básicos detalles y vivencias que estoy seguro se han hecho presentes en cualquiera de los que están leyendo estas líneas.
Por cierto, hay una secuela tardía llamada Un hombre y una mujer: 20 años después, misma que llegó, en efecto, 20 años tarde.
Dirección: Devid Leland, Mikael Salomon, Phil Alden Robinson, Richard Loncraine, tom Hanks, David Nutter, Tony To.
Guión: Bruce McKenna
Fotografía: Joel Ransom, Remi Adefarasin, Música: Michael Kamen
Origen: USA, 2001
Duración: 700 minutos
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Ni duda cabe, la historia la escriben (y reescriben) los que ganan. En este caso voy a referime a Band of Brothers, serie de televisión producida por el canal de cable HBO y supervisada (whatever that means) por Tom Hanks y Steven Spielberg, mismo que, no satisfechos con la carnicería brutal de Recatando al Soldado Ryan, llevan a la pantalla chica la historia de la Easy Company desde sus entrenamientos en el campo militar de Currahee, hasta la toma del nido del águila (el palacio de descanso de Adolfo Hitler).
La serie me causó una enorme incomodidad y el consecuente desprecio por las siguientes razones:
1. La presencia bobalicona e higadezca de David Schwimmer, mejor conocido como Ross de la serie Friends. Contar con su rostro mentecato queriéndose hacer pasar por oficial a cargo de entrenar reclutas resulta una de los peores miscast en la historia de la televisión. Un equivalente podría ser utilizar a Adal Ramones para interpretar a Benito Juárez.
2. Cada uno de los episodios contó con un director distinto, lo que ocasiona que no haya un tono uniforme en el desarrollo de las tramas y subtramas. Además, lo que empieza como un relato cruento de violencia y pérdida, se convierte en un paseo blandengue y estúpido.
3. Los personajes aparecen y desaparecen sin que se sepa bien que pasó con ellos. Aunque quizá se deba a las limitaciones de tiempo en cada capítulo.
4. Cuando los soldados estadounidenses saquean lo que encuentran a su paso, no hay el más mínimo atisbo de crítica en cuanto a la voracidad que perneaba las acciones. Vamos, incluso se justifica como un derecho de los mal llamados americanos a invadir y tomar postsesión de lo que se les pegue la gana.
5. Algunas de las secuencias que deberían ser más impactantes resultan punto menos que risibles al ser filmadas, evidentemente, en escenarios descomunales.
6. No hay un contexto claro de cómo o por qué entró Estados Unidos a la guerra (no olvidemos que su participación se dio de manera muy tardía), además, por ningún motivo se hace referencia a los bombardeos atómicos realizados en Hiroshima y Nagasaki.
Y lo que me parece más vergonzoso y vergonzante es que los Estados Unidos se siguen presentando a si mismo como los buenos muchachos que liberaron al mundo de la maldad. En el contexto presente (piensen en Irak y Afganistán), resulta obsceno seguir creyendo que los ideales de este país son la justicia, la verdad y todo lo demás que suena bien pinche bonito en los discursos políticos.
Intérpretes: Andreas Wilson, Henrik Lundstrom, Gustaf Skarsgard, Linda Zilliacus
Origen: Suecia, 2003
Duración: 110 min.
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Bautizada en México con el ridículo nombre “Solo contra el mundo”, Ondskan nos presenta una reflexión sobre las opciones que se le presentan a un ser humano cuando el contexto en el que se desarrolla está marcado por la violencia.
Eric Ponti (Andreas Wilson) es un adolescente problemático y violento que, ante la imposibilidad de seguir estudiando en una escuela pública (y las cotidianas golpizas de su padrastro) es enviado a un internado en el que los usos y costumbres de sus compañeros le harán imposible hacer a un lado su naturaleza violenta.
Si bien la película contiene momentos de una enorme fuerza dramática, el final es uno de los más piojosos que me ha tocado ver. Pareciera que en aras de la posible venta a nivel internacional de su cinta, el director y su co-guionista optaron por un final totalmente hollywoodense que traiciona totalmente el espíritu desolado y triste de la cinta.
Aunque no viene al caso, me pregunto cuantos de nosotros no hemos tenido el enorme deseo de reventara a patadas al gorila de la clase, al maestro humillador, al policía corrupto, al acosador, al idiota que me acaba de romper las ventanillas de mi Chevy, al padre que golpea en público a sus hijos, al jefe déspota, al que vende carne contaminada, al que cambia los precios, al que se aprovecha de la miseria yla soledad, a casi todos los políticos, y a todos los demás que puedas pensar, patearlos hasta extinguir esta sed brutal de justicia.
No pude conseguir el trailer en su idioma original, así que van a tener que soportar en ezpañol de Ezpaña:
Intérpretes: Todo Shinji, Mitsuo Ando, Idzumi Ooyama, Rika Miura
Origen: Japón, 1978
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Así como quise compartir con mis amables lectores Batman:Dean End, el día de hoy quiero presentarles una de las peores mamarrachadas que se hayan realizado alguna vez teniendo como pretexto un super héroe de historieta: El Hombre Araña japonés.
Producido por la Tohei (la compañía responsable de traer al mundo al entrañable Godzilla) y seguramente habiéndose pasado por el arco del triunfo las cuestiones relativas a los derechos en cuanto al uso del personaje, esta serie de televisión representa una total y absoluta burla para los fans del cómic ya que de este solo queda el nombre y el traje, porque de lo demás…
Imagínense al hombre araña mezclado con los Power Rangers, Mazinger Z, efectos especiales estilo “La risa en vacaciones”, un sidekick vestido como indígena peruano mariachero, aderezado con miserables remedos de las acrobacias de Jackie Chan. ¿Qué resulta de esto?, pues un verdadero horror ante el cual las películas de El Santo resultan auténticos prodigios de técnica cinematográfica y profundidad argumental.
Pero algo tiene esta serie que no puede dejar de ejercer una atracción fascinante para el que se atreva (hace falta valor) a reventarse un capítulo completo. Y no es que de tan mala sea buena, eso sólo puede aplicar a las películas de Ed Wood, simplemente es ingenua.
Por cierto, no he incluido las reseñas de lo más reciente que he visto en dvd, pero es que ante material insulso, ¿para que demonios molestarse en buscar imágenes o fichas técnicas.
En fin, disfruten (sufran) el primer capítulo de este esperpento, El hombre ninjaarañarobomazinger:
Intérpretes: Clark Bartram, Andrew Koenig, Kurt Carley
Origen: Estados Unidos,
Duración: 8 minutos !
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You made your choice a long time ago Joker.
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Para aquellas personas que fuimos niños y adolescentes en la primera mitad de los años 70, el comic era una compañía insustituible en los ratos de ocio. Batman, Spiderman, Daredevil, los 4 Fantásticos, eran los poderosos e infalibles aliados en el desarrollo de lo imaginario infantil y juvenil.
Si bien estos personajes se convirtieron, por lo menos para un servidor, en algo por demás querido y entrañable, la mayoría de las películas que se han realizado a partir del cómic, por lo general han sido mediocres, absurdas, o simplemente ridículas. Y es que, basta saber con que se va a adaptar una historieta para tener la certeza de que, aquello que por fin acabe en pantalla, poco o nada va a tener que ver con el mundo, las actitudes, los principios y la estética del comic original.
Claro que hay grandes y notables excepciones, de las debe destacarse el Superman realizado por Richard Donner en 1978. Lástima que las secuelas (y la infame Supergirl) solo ocasionaron que el personaje se convirtiera en objeto de escarnio, por lo menos en cuanto al cine.
Hoy quiero recomendarles Batman: Dead End, extraordinario corto de Sandy Collora en el cual se recupera a este personaje alejándolo de la bobaliconería y estupidez que alcanzó en cintas insoportables como Batman & Robin y Batman Forever de Joel Scumacher. Esta pequeña obra maestra nos presenta a un Batman cruel, cínico, brutal, vamos, el Batman auténtico no el producto hollywoodense edulcorado para el consumo masivo.
Realizado por un fan del comic y no por un artesano a destajo, este film representa, hasta el momento, la mejor adaptación que haya realizado de una historieta. ¿Lo dudan?. Vean esto entonces:
Almodóvar llega con esta cinta a lo que, para un servidor, resulta su logro más interesante en cuanto a la creación de relatos profundamente emotivos a pesar de lo disparatado, excesivo y a veces ridículo de sus argumentos.
En este caso, y después del tropiezo terrible que resultó La mala educación, Almodóvar nos presenta, mediante una serie de saltos espacio-temporales, elipsis, y giros argumentales, dos historias vinculadas por el estado de coma en el cual se encuentran inmersas las protagonistas principales.
Al contrario de la mayoría de sus films, en esta ocasió resultan de mayor peso los protagonistas masculinos ya que son sus obsesiones (y su desamparo) lo que darán origen a la tragedia, pero también a un esbozo de redención. Si mis comentarios les resultan crípticos es porque sería una verdadera mentada de madre para el que esté leyendo el revelar puntos nodales de la trama
Plena de secretos y obsesiones malsanas, Hable con ella representa la vuelta de Almodóvar en su mejor forma. Habrá que ver si Volver mantiene el nivel de este cineasta que aún le queda mucho, pero mucho por decir.
Por cierto, el único prietito en el arroz es la presencia ratonil de Geraldine Chaplin, misma que le da una nota de falsedad al filme, cosa es que es difícil de lograr en una película de Almodóvar.
Intérpretes: Ed Harris, Marcia Gay Harden, Tom Coger, Jennifer Connelly
Origen: Estados Unidos, 2000.
Duración: 122 min.
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La vida de los artistas plásticos es un tema que ha sido visitado con mayor o menor fortuna por el cine desde hace mucho tiempo. Y es que el pintor, especialmente si se comporta como un orate, es un pretexto maravilloso para caer en toda clase de excesos narrativos o estilísticos.
Pocos han sido los filmes que han escapado a la truculencia al momento de presentarnos la vida de un pintor. De hecho sólo recuerdo uno, Vincent & Theo de Robert Altman y en el cual, más que presentarnos el descenso enla locura de Vincent Van Gogh, se analizaba la compleja relación con su hermano Theo.
Por hoy les voy a platicar sobre Pollock, primer film como realizador del estimable actor Ed Harris y en el cual se aborda la vida del pintor (surrealista?, impresionista?, abstracto? monero?) Jason Pollock, particularmente su tortuosa lucha por el reconocimiento y su incapacidad para controlar su afición por el alcohol y su proclividad a los romances tortuosos.
Si bien es evidente que Ed Harris (que también desempeña el papel protagónico) tiene un profundo afecto por su material, también resulta claro que su falata de experiencia le impidió crear un relato emotivo en el cual el espectador pudiera involucrarse o ser testigo de la lucha del creador consigo mismo y con el medio que lo rechaza, porque tal y como es presentado solo podemos apreciar la historia de un tipo quepinta, que es borracho y mujeriego, pero de sus impulsos creativos, de los rompimientos internos que lo impulsaron a plasmar sus entresijos mediante salpicaduras de pintura, de su pasmo y descubrimiento ante una técnica totalmente innovadora… de eso no llegamos a saber nada.
Fría, académica, realizada como si fuera una pintura “by the numbers”, esta cinta requiere de por lo menos un conocimiento mínimo sobre las corrientes contemporáneas en cuanto a las artes plásticas para poder ser apreciada. De otra forma resultará una aburrida telenovela de un tipo que pintaba unos monos medio gachitos.
Dirección: Geoffrey Wright Guión: Geoffrey Wright Fotografía: Ron Hagen Edición: Bill Murphy Música: John Clifford White Intérpretes: Russell Crowe, Daniell Pollock, Jacqueline Mckenzie, Alex Scott Origen: Australia, 1992 Duración: 92 minutos.
* ¿Que están haciendo aquí? Este no es su país. *
Brutal recuento de las actividades de un grupo de skinheads en una ciudad de Australia y en el que la espiral de violencia no puede tener otra salida que la tragedia.
Apoyado en las sentidas interpretaciones de Crowe y Pollock (q.e.p.d.), el director nos presenta el submundo de una pequeña banda racista que encuentra en el ataque a los inmigrantes (especialmente los vietnamitas) su única razón de ser y su único desfogue ante un medio hostil y vacío.
Temáticamente emparentada con Historia Americana X, Romper Stomper se toma el tiempo para presentarnos a sus personajes no solamente como máquinas dispuestas a la carnicería, sino además como seres humanos que dudan y cuestionan sobre la validez de lo que están llevando a cabo.
Resulta muy sencillo querer pontificar cuando se está tratando un tema polémico, pero el director resiste la tentación de "tirar netas", o plantear posibles soluciones o mensajes de paz. Por el contrario, la resolución nos lleva a pensar que, una vez tomada la decisión del odio, no puede haber redención.
Editada de manera insólita por Quality Films en México, la versión en dvd contiene la versión sin censura en formato anamórfico y con comentarios de audio del director (¡con subtítulos!).
Advertencia: estos son las películas que a su servidor le "apanicaron" cuando tuve la oportunidad de ver en el cine. Algunas no han resistido el paso del tiempo, pero no he olvidado el impacto que en su momento me causaron. Como ejemplo está Halloween, misma que vi en el ahora extinto cine del estudiante y cuando apenas tenía 11 años (a mi hermano mayor y a mi nos dejaron entrar de contrabando). Si se ve ahora, la cinta resulta un tanto boba y aburrida (y muy poco sangrienta), pero no he olvidado el caos de gritos y expresiones de miedo que abundaron en aquella lejana función, hace 28 años.
1979, año en que llegó a la pantalla uno de los "mostros" más entrañables de la pantalla. Recuerdo que fui a ver esta cinta sin saber nada de ella. Ay cabrón, fué una pinche experiencia de no-ma-mes. Y es que a mis 12 añitos no había forma de estar preparado para este relato de horror gótico situado donde nadie puede oirte gritar. Lástima que est cinta se hay convertido en franquicia hasta llegara na títulos ridículos como Alien Vs Predator.
Candyman. Las obras de CliveBarker nunca se han transladado de manera adecuada a la pantalla, a excepción de esta. Bernard Rose (director) supo crear un mundo de pesadilla en el que no hay espacio en el cual poder resguardarse. Celebratoria y amenazante, Candyman nos recuerda que los mitos urbanos, si bien sirven para espantar a niños bobacolines, quizá tengan algo de verdad.
Event horizon. No debería haberme gustado. La trama es pedestre, algunas actuaciones son infames, no hay un ápice de credibilidad científica, pero... ay hijo de la matraca, salí con los pelos parados de la función. El exorcista. ¿No la han visto?, !estaís en pecado mortal pequeñines!, corran a su video club o video-carroña más cercano y deleítense con este relato en lo que menos importa es la posesión de una niña. El punto central, y del que nadie se quiere dar cuenta, es la pérdida de la fe. Pero en este mundo de mierda, no hay espacio ni tiempo para creer en nada.
Halloween (queremos): La iniciadora del género slasher. Muy avejentada, sólo podrá asustar a monjitas rezongonas y a niños de kindergarten. Vale como referencia, o como recuerdo nostálgico.
Near Dark: La directora Kathryn Bigelow supo recrear los mitos del vampirismo en esta deliciosa road-movie presentándonos un grupo de seres nocturnos que vagan por carreteras solitarias y pueblos sombríos en la búsqueda de alimento. Indispensable.
Pesadilla en la calle del infierno: La obra cumbre de Wes Craven y quizá la única aparición inquietante de Freddy Kruger, figura malévola convertida en chiste barato a fuerza de secuelas lastimosas. Esta es la original. Única. Perversa. Brutal. Angustiante. Indispensable.
Re-animator: ¿Pueden mezclarse el horror y la comedia?. ¡Sólo si eres Stuart Gordon!. Este señor adaptó vagamente uno de los cuentos del maestro de maestros de la literatura de horror Howard Phillips Lovecraft, y dio vida a algunas de las secuencias más delirantes que, si no han visto, de verdad que no pueden imaginárselas. Con decirles que hay un "intestino asesino"...
El bebe de Rosemary: Adaptación de la mediocre novela de Ira Levin por parte de Roman Polanski, y en la que, sin efectos especiales, maquillajes prostéticos o derramamiento de sangre, somo llevados al mundo en el que los inocentes son pervertidos para cargar la semilla del diablo. Pero incluso un bebé diabólico necesita su biberón.
El resplandor: En su única película dentro del género del horror, Stanley Kubrick nos presentó un relato espeluznante de aislamiento y locura, de entidades y violencia, de excesos y repulsión.
La Mosca: Después de haberse mantenido al margen del cine hollywodense durante muchos años, David Cronenberg se dejó seducir por Mel Brooks para dirigir esta segunda adaptación de la novela de George Langelaan. De manera insólita, la cinta fué un éxito total y Cronenberg no traicionó la constante principal de su cine: el horror que se asienta en el propio cuerpo y del cual sólo podemos ser testigos. La cosa del otro mundo: En 1982 John Carpenter presentó en pantalla un espectáculo grotesco y repugnante para el cual no estaba preparado el público. Sin embnargo, con el paso del tiempo ha sido revalorado y ahora es todo un clásico.
El ansia: La primer película de Tony Scott (hermano de Ridley), es un relato melancólico de la decadencia de un vampiro que poco a poco se convierte en una momia. Sin movimiento, doliente, cuestionándose las promesas no cumplidas, condenada a la vida eterna y a la soledad. Magistrales interpretaciones de Sarandon, Denueve y Bowie.
La masacre de Texas: Qué lastima que, 32 años después, Tobe Hooper solo haya realizado películas mediocres y francamente estúpidas. Después de ver esta cinta, el sonido de una motosierra les va a generar escalofríos.
Guión: Jan Svankmajer a partir de la obra de Lewis Carroll
Animación: Bedrich Glaser
Fotografía: Svatopluk Maly
Intérprete: Kristyna Kohoutova
Origen: Suiza, Alemania, Inglaterra, 1988.
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A un servidor le resulta imposible describir lo que pasa en esta película del animador checo Jan Svankmajer, y es que este trabajo se encuentra en el extremo opuesto de la edulcorada versión de los estudios Disney. Lo que en una cinta era ñoñería y autocomplacencia, en esta se convirtió en una pesadilla surrealista que, por raro que parezca, es más fiel al mundo de Carroll que la versión animada.
Alice representa más que la adaptación de una obra literaria, un viaje a los lugares más recónditos y obscuros de la mente infantil y en el cual el texto original sólo es un pretexto para que Svankmajer de rienda suelta a sus obsesiones temáticas y estilísticas, especialmente con el uso de la técnica de animación stop-motion y la creación de monstruos inquietantes y terribles.
No apta para todos los gustos, aún no puedo afirmar si resultó de mi agrado. Lo que si puedo asegurar es que este tipo de trabajo se encuentra más allá del bien y del mal. Puede ser detestado o amado, pero nadie puede negar su valor como una verdadera obra de arte.
Como ya entendía como añadir vínculos de video, incluyo un fragmento de esta película aunque con la advertencia de que la música que se escucha de fundo NO pertenece a la banda sonora original.
A los hombres y mujeres que son dueños de hombres y mujeres aquellos de nosotros que deberíamos haber sido amantes nunca les perdonaremos por desperdiciar nuestros cuerpos y nuestro tiempo.
“¡Es mi vieja y yo la traje!”, fue el grito estremecedor que taladró nuestros oídos.
Como cada jueves (casi siempre y si se nos da la gana), hubo reunión del Club Tobías, espacio no virtual pero tampoco virtuoso en el que se reúnen un variopinto grupo de individuos a degustar los diversos placeres que la vida nos ofrece. O lo que es lo mismo a pistear como candidatos a reventar alcoholímetros, comer cuales náufragos nayaritas, y fumar hasta las bachichas callejeras.
Ayer nos reunimos en el famoso 25, lugar de sana convivencia familiar marcado por la decencia y las buenas costumbres. Pero no todos los días ya que justo ahora nos tocó reventarnos casi tres horas de grupo norteño, lo cual impidió que mantuviéramos nuestras charlas filosóficas y que nos llevó (contra mi voluntad) a jugar dominó. Al principio nos acomodaron una putiza descomunal, pero después se niveló hasta llegar a un salomónico final.
Pero en fin, después de tanta tarugada, lo que de verdad quería comentarles es con respecto a la única señora que estaba con los amables y felices borrachines norteños. Parafraseando a la ninfa vouyerista diría “¡No, no, no, toda una experiencia!”, y es que le dio por cantar con unos alaridos de no-ma-mes, una bestia herida con las tripas colgantes y a punto de ser devorada hubiera sido más agradable de escuchar. Hagan de cuenta una mezcla entre Vitola, Chayito Valdéz y Chalina Sánchez, pero desafinada, descuadrada, pero esos si, muy bien gritada. Claro que la borrachera no era tan anestésica, por lo que el marido (o pagador), manifestó con voz contundente y gesto despectivo: “¡Es mi vieja y yo la traje!”.
Si tu orgullo es exhibir una borracha gritona, master, te recomiendo dejes de tomar Tonayan.
Pero enfin, esto es lo que nos hace la vida.
La reunión número 143 del club Tobías contó con la participación de Emmanuel, Carlos , Chuy, Beto, Toño y su seguro servidor.
Y el sábado el Atlas le va a acomodar una putiza a las méndigas chivas. Por tanto el domingo, ¡a tragar birria!
Ah!, y también vi otras dos películas ayer (bendiciones del insomnio) pero como estaban bien pinchitas, ni caso tiene hablar de ellas: El ensayo de Catherine Corsini y Despertando a los muertos de Keith Gordon.
Intérpretes: Fanny Ardant, Chiara Caselli, Irene Jacob, John Malkovich, Sophie Marceau, Jean Reno, Marcello Mastroiani, Jeanne Moreau.
Origen: Italia, Francia, Alemania, 1995.
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It's time to go again To your blue room Got some questions to ask of you In your blue room
The air is clean Your skin is clear I've had enough of hanging 'round here It's a different kind of conversation Your blue room
You saw me coming love In outside You saw me coming Somewhere I can hide
Won't you bring me back home?
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Michelangelo Antonioni regresó a la silla de director después de haber pasado 10 años recuperándose de una embolia que lo dejó casi totalmente inhabilitado. De hecho la película fue codirigida por Wim Wenders al no poder terminar la filmación Antonioni.
Pero lo que importa es lo que está en pantalla y darse cuenta de que las tendencias temáticas, narrativas y estilísticas del cine de Antonioni siguen presentes: personajes solitarios que deambulan por espacios de arquitectura magnífica, deseos y esperanzas no confesados, imposibilidad de comunicarse, decepción, aislamiento, imposibilidad de dar y recibir amor, y… la esperanza. Si, por increíble que parezca, por primera vez en una cinta de este cineasta hay un leve atisbo de una vida mejor. Quizá sea el síndrome del director que sabe que no le quedan muchos filmes por hacer y que de alguna manera trata de reconciliarse con el pasado. Algo así paso con Federico Fellini y su última película Intervista, en la cual, literalmente, su última imagen es un rayo de esperanza.
Pero en esta cinta en cuestión tenemos cuatro historias de amor que, como en toda cinta de episodios, son irregulares. De hecho la única que me llamó la atención y, debo decirlo, me impactó, es en la que participan Fanny Ardant, Jean Reno y Peter Weller, ya que nos presenta la historia de un matrimonio y sus respectivos amantes y la manera en que estos últimos son desechados. Pero entonces llega la esperanza, y eso es algo que quisiera tener en mi vida. Por eso me conmovió, por eso la recomiendo.
Ni la busquen en Mixup, ya saben, acudan con su pirata de confianza.
Intérpretes: Fanny Ardant, Gerard Depardieu, Henri Garcin, Michel Baumoartner
Origen: Francia, 1981.
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Dejémonos de hipocresías y falsos pudores. Casi todos hemos sido infieles, e incluso aquellos que nunca lo han hecho, por lo menos en sus pensamientos se han refocilado de manera por demás gozosa con la mujer (o el hombre) que se encuentra vedada(o).
El día de hoy, mi queridos chiquitines (préstenme atención), les quiero recomendar esta cinta en la que Truffaut nos presenta la historia de un amor infiel que, a pesar del tiempo y la distancia, sigue vivo y esperando marcar con la tragedia la vida de los protagonistas.
No se si exista el destino, pero se que existe una decisión. Y los amantes que, después de muchos años y de haber reconstruido sus vidas terminan por ser vecinos, tienen que enfrentarse a una. ¿Seguir en la plácida monotonía de un matrimonio irrelevante o dar rienda suelta a la pasión que se creía olvidada?
Pero las decisiones tienen consecuencias (recomiendo Smoking / No smoking de Alain Resnais) y las consecuencias conllevan a otras decisiones, que en este caso mezclan la brutalidad absoluta con el placer de un instante.
Si no le entienden a la reseña es porque revelar más sería dar cuenta de puntos nodales de la trama cuyo descubrimiento debe darse en el marco de la cinta, no en blog sarnoso.
Todos aquellos que se hayan visto tentados, obligados están a ver esta cinta.
"Hoy voy a cambiar..." , ligeramente el contenido de mis posts para presentarles a los "miembros" del Club Tobías, seres humanos llenos de pasión y gusto por la vida, y que han encontrado, casi todos los jueves y en los recónditos recovecos de bares, antros y piqueras de mala muerte de Guadalajara, un espacio para compartir sus pasiones, cosmogonías, delusiones, esperanzas y aventuras (y música bajada de internet).
En esta foto les presento a los que, más que mis amigos, son mis hermanos.
Chuy, Carlos, Luis Arturo, Emmanuel, Rubén, Daniel, Toño, Beto: mi admiración y respeto para ustedes.
Me encantan los programas triples, los gatos, las madrugadas, el vino (merlot y chardonnay), el jazz, el blues, el rock de los setentas, los corridos de caballos del Piporro, la poesía de Cummings y Sabines, los cuentos y novelas de Bukowski y Lovecraft, escuchar la radio por las madrugadas (la Consentida rulez!), y vagar por jardines solitarios y habitaciones vacías, las enemistades mutuas, las tortas del mercado San Juan de Dios, la irreverencia y la palabra soez. No pienso abordar los estrenos más recientes de la cartelera, casi todo es una enorme carretada de basura. Y tengo la firme creencia de que bailar cumbias sacudiendo la cola es una forma maravillosa de quitarse lo misterioso y lo pendejo. Y que Godzilla es un chingonazo. Y además pienso que el golf es una de las cosas más imbéciles de este planeta. Y por si fuera poco, creo que la mayoría de los políticos no valen más de tres gargajos de tuberculoso.
