Alucarda, la hija de la obscuridad

Dirección: Juan López Moctezuma

Guión: Juan López Moctezuma

Intérpretes: Tina Romero, Claudio Brook, Susana Kamini, David Silva, Manuel Dondé

Origen: México – USA 1974.

DVD: Mondo Macabro

Ayer por la tarde su servidor tuvo una experiencia delirante y gozosa con Alucarda, alucinante película de horror mexicana (aunque hablada en inglés) y que, a 32 años de haber sido filmada no ha perdido su capacidad de sorprender al espectador por sus excesos.

Y es que desde hace mucho tiempo no me había tocado ver una cinta de este género que me orillara a expresarme verbalmente por medio de una expresión tan soez como “¡ay hijo de la chingada!”. Y es que a pesar de que Alucarda es un híbrido extravagante en el cual se dan cita lesbianismo, decapitaciones, exorcismos, histeria, tortura, muerte, locura, y vampirismo (y todo en apenas 74 minutos), es justo en este cóctel de aparente incoherencia donde residen las principales virtudes de esta película.

Influenciado por el movimiento pánico de Alejandro Jodorowsky y por el teatro del “grand guinol”, Juan López Moctezuma creó una obra totalmente atípico en el contexto del cine mexicano de principios de los años 70, período en el cual el estado emepezó a participar de manera activa en la industria cinematográfica nacional Y digo atípica porque Aucarda nada tenía que ver con el cine de supuesta denuncia social, costumbrista y/o indigenista.

Para los que sienten traicionados si no cuentan con una descripción de la trama o argumento (cual maestros caducos de literatura), pues aquí les va:

Después de un breve preludio en el que una mujer da a luz en lo que parece ser una catacumba (de cartoncito, of course), damos un salto en el tiempo hasta 1868 en el que una joven llamada Justine (inocencia para la perversión, ¡que deliciosa combinación!), llega a una especie de convento u orfanato en el que para su mala suerte le toca como compañera de cuarto la ahora quinceañera Alucarda, quién la seducirá con sus juegos obligándola al mismo tiempo a jurarse amor eterno.

Y justo aquí empieza la diversión ya que en plena clase de catecismo Alucarda y Justine reniegan de las enseñanzas religiosas y hablan en idiomas extravagantes mientras juran lealtad al maligno. Claro que esto no es bien visto por los sacerdotes y las monjas (que por cierto, les encanta autoflagelarse), por lo que solo queda la opción de, ¿qué creen chamacos?, un exorcismo delirante, pleno de desnudos, sangre, tortura e histeria generalizada.

Contarles más sería quitarle mucho del placer culposo en que puede convertirse ver esta cinta pero, hombre, ¿cada cuando se puede ver una película que combine vampiros, tortura, lesbianismo, tortura, mutilaciones, imaginería religiosa, decapitaciones, brujería, desnudos, posesiones, monjas ardiendo (en llamas, no sean mal pensados), orgías, y al mismísimo chamuco en persona?

Por cierto, la cinta fue rodada en inglés por los propios actores, doblándose posteriormente al español, pero con actores ibéricos en una versión puritana y mojigata, ya que en dónde uno de los personajes afirma “Tu dios no me sirve de nada”, en castellano se escucha “muere, muere, muere”.

El dvd de Mondo Macabro es altamente recomendable ya que incluye una semblanza del irecto, una entrevista en texto y una pequeña charla con Guillermo del Toro en la cual hace una reflexión sobre el contexto en el cual surge la película y su impacto en otros cineastas.

Interesados, comuníquense.

El decálogo de Kieslowski: Capítulo 1

Decálogo 1: Amarás a Dios por sobre todas las cosas.

Dirección: Krzysztof Kieslowski

Guión: Krzysztof Kieslowski, Krzysztof Piesiewicz.

Fotografía: Wieslaw Zdort*

Música: Zbigniew Preisner*

Intérpretes: Hanryk Baranowski, Wojciech Klata, Maja Komorowska, Artur Barcis.

*

Por el descanso de su alma… tú no mencionaste un alma.

Es una manera de despedirse. El alma no existe.

Mi tía dice que si hay un alma.

Algunos encuentran la vida más fácil si creen en eso.

¿Y tú?

¿Yo?, francamente no lo sé.

*

Ríos de tinta en alabanza han corrido sobre los films del desaparecido cineasta polaco Krzysztof Kieslowski, que si bien es en su conjunto una de los obras más congruentes y consistentes de la cinematografía moderna, no deja de ser al mismo tiempo sumamente cuestionable ya que si bien podemos encontrar cintas indispensables para los amantes del cine de autor (La doble vida de Verónica, El Decálogo), sus últimos trabajos (la trilogía Azul, Blanco y Rojo) presentaron signos de agotamiento.

En esta ocasión me voy a referir, por partes, al que considero el más importante de sus trabajos, El Decálogo, ya que esta obra por si misma hubiera garantizado su acceso al olimpo de los cineastas sentado a la derecha de Bergman y a la izquierda de Tarkovsky.

Amarás a Dios por sobre todas las cosas. Es el primer mandamiento que aprendimos (pero no comprendimos) en aquellas lejanas lecciones de catecismo, por lo menos aquellos quienes fuimos obligados a repetir los rituales del catolicismo.

Pero al mismo tiempo es la primer negación de los mandamientos, situación que se repite en cada uno de los ¿capítulos?, ¿episodios?, la imposibilidad de cumplir con una serie de ordenanzas y restricciones que parecen ir en contra de eso que vagamente conocemos como “naturaleza humana”. Y es que ante la tragedia cotidiana y su dolor insondable resulta muy difícil amar a una entidad que guarda silencio o que simplemente se esconde para no dar respuestas o por lo menos un poco de mísero consuelo.

Un hombre vive en compañía de su hijo en un pequeño departamento en el que, además de convivir, comparten su gusto por los juegos matemáticos, el ajedrez y las charlas que muchos quisiéramos haber tenido con nuestros progenitores. Charlas sobre la muerte, dios, la existencia del alma, y fórmulas matemáticas para calcular factores de congelación.

Cuando la tragedia impacta de manera inevitable este pequeño núcleo, no puede haber consuelo alguno, sólo existe el rechazo ante una fe y las imágenes de estas derivadas, y que a su vez de nada le sirven ya que no puede haber consuelo en algo en lo que nunca se ha creído y que, de acuerdo a la vida misma, sería absurdo creer.

No deja de sorprenderme (y de conmoverme, para que lo niego) el cómo tantos y tantos millones personas puedan amar a alguien a quien no han visto, no los escucha y no los ayuda.

* Mención aparte merecen la música de Priesner y la fotografía de Zdort, verdaderos prodigios auditivos y visuales, si bien la edición en dvd de Facets Video no puede calificarse de otra manera más que descuidada o simplemante holgazana.

Casshern: El prodigio visual y la tragedia

Director: Kazuaki Kiriya
Guión: Kazuaki Kiriya
Intérpretes: Yusuke Iseya,Kumiko Aso, Akira Terao, Kanako Higuchi.
Origen: Japón, 2004

En un futuro alternativo de la humanidad (idea común en los textos de Philip K. Dick), el continente que ahora conocemos como Asia se ha reorganizado en la Gran Federación del Este. Su gobierno, totalitario y represivo, ha llevado a sus habitantes al borde mismo de la aniquilación a causa de una guerra brutal y la contaminación irremediable del medio ambiente.

En medio de un panorama gris hay un atisbo de esperanza en los trabajos del Dr. Azuma quien, aparentemente preocupado por el futuro de miles de vidas, en el fondo sólo está luchando para tratar de salvar de la muerte a la mujer que ama.

Pocas veces he visto en mi vida películas que me impacten de una manera tan profunda en cuanto a su aspecto visual. No hay manera de describir el impacto visceral en el espectador de las imágenes que aparecen en pantalla. Pero no solo eso, el director de esta cinta comprendió que, de nada sirven los artilugios visuales si en el fondo no se presenta un historia en la que los más importante no son las maravillas digitales generadas por ordenador, sino las tragedias, pérdidas y decisiones que asumen y enfrentan cada uno de los personajes. Somos testigos de un tiempo y mundo brutales en el que cada una de las acciones parece estar permeada por la nostalgia de un mundo en que la belleza no era una anomalía.

Es una verdadera lástima que esta cinta no pueda ser vista en donde pertenece, la pantalla grande, y que, tristemente, sólo puede ser conseguida en su versión bucanera (pirata, pues). Recientemente apareció publicada una columna en el suplemente Ocio del periódico Público en el cual se reflexionaba con respecto al cine que nunca llega a los circuitos comerciales o a las tiendas como Mixup, y que solo es posible adquirir de manera furtiva. Quizá este mal pero, ¿de que otra manera podríamos conseguir material que rete nuestra inteligencia?. Interesados en compartir material, no duden en comunicarse.

Memoria y podredumbre

No solo me fueron arrebatados los cines de mi infancia y juventud. Con ellos también desaparecieron calles, plazas, esquinas, personas, resquicios, árboles, flores y escaleras. Aquella tienda de discos donde adquirí mi primer CD (Conciertos para violin de Bach) es ahora un lugar pútrido en el que una indigente, sentada en un charco de su propia orina y excremento, tiende su mano hacia la indiferencia. Esta ciudad, mi ciudad triste y derruida, ha sido violada por la locura, la podredumbre y la desesperanza. Caminar por sus calles se ha convertido en una experiencia dolorosa, y es que el ser testigo de la aniquilación nunca será cosa fácil. Antes tenía el consuelo de la memoria, pero me pregunto de que me sirve si aquello que recuerdo probablemente nuca existió.

Mis viejas salas de cine...

Mis filias no tienen que ver solamente con las películas, sino además con aquellos lugares maravillosos que hoy se encuentran en franca extinción y que respondían al nombre de “cines”. ¿Los recuerdas?. Si eres menor de 20 años lo más probable es que no hayas tenido la oportunidad de visitar aquellas salas magníficas que, con la llegada de los complejos cinematográficos aniquilaron los espacios en que nosotros, los que pasamos de 30 y frisamos los 40, fuimos seducidos por primera ante el mágico despliegue de imágenes de las pantallas de plata.

Cines como el Park, Avenida, Cuauhtemoc, Sorpresa, Metropolitan, Diana, Variedades, Obregón, Teatro Juárez, Latino, Guadalajara, Charles Chaplin, Versalles, Américas, Rex, Roxy, Colonial, Teatro Cinema Acuario, El Refugio, etc. , tuvieron que cerrar sus puertas ante la ausencia de espectadores. Y no era para menos, muchos de estos cines se habían convertido en galerones infames en los cuales la proyección, el sonido, y las butacas eran aptas solamente para masoquistas.

Aún así, no puedo dejar de ver con nostalgia aquellos tiempos en que cada cine tenía su personalidad, en que las salas eran un prodigio de la arquitectura, cuando se podía ver en un cine de barriada un programa doble integrado por el Ciudadano Kane de Welles y Zelig de Woody Allen, cuando antes de entrar era posible surtirse de semillas de girasol, gomitas, cacahutes y papas en el infaltable carrito de la entrada, cuando siendo niño era no era mal visto que uno corriera como demonio de tasmania alto de anfetaminas por los pasillos. Cuando el cine era una experiencia, no sólo un entretenimiento.

De todas aquellas viejas salas sólo queda el Cine del Bosque, mismo que se resiste a morir gracias a sus clientes de siempre. Hay otras salas que persisten, pero dieron el viraje a la exhibición de material pornográfico en video.

En una de estas salas, la Greta Garbo, tuve la oportunidad de ver a principios de los años 80 un ciclo extraordinario dedicado al rock y en el que se rescataron clásicos como Quadropenia, The Song Remains The Same, The Last Waltz, Woodstock, Let There be Rock, Hair, y otros títulos maravillosos que probablemente le resulten totalmente ajenos a los jóvenes fanáticos de Lupillo Rivera y el reggetón (¿se escribe así?).

Para no abusar de su paciencia, en un post futuro les platicaré de los autocinemas Ritz y Real y de los tiempo en los cuales era posible ingresar al cine con un plato de pozoles y dos flautas de carne chorreando salsa verde, crema y queso.

God's lonely man: la imposibilidad de la redención

Dirección y guión: Francis Von Zerneck. Intérpretes: Michael Wyle, Heather McComb, Ginger Lynn Allen

Desde la cita inicial en la que se nos recuerda que la condición ineludible de todos los seres humanos es la soledad, hasta la declaración final y certeza de la inutilidad del sacrificio y la imposibilidad de la redención, God`s lonely man es un paseo por el infierno, un viaje enloquecido por el sub-mundo ante el cual tu Dios prefiere cerrar los ojos y pasar de largo.

Ernest Rakman, drogadicto, empleado de un sex-shop, asesino a sangre fría, encuentra en una prostituta de "casi 15 años" la posibilidad, la esperanza, de redimirse y por fin, encontrar una vía de salida ante un mundo en el que ni siquiera el suicidio puede traer un poco de consuelo.

Me pregunto cuantas almas solitarias y despedazadas como Ernest rondan por la calle todas las noches.

Inspirada principalmente en Taxi Driver de Martin Scorsese, este film desconcertó a muchos por un epílogo en el que, aparentemente, hay un final feliz. Pero en esta aparente tranquilidad, en esa calma, llega la certeza de que se está en el ojo de la tormenta y, eventualmente, el estridente alarido de la locura se instalara en el centro de nuestras almas.

In the mood for love: La eternidad en un solo gesto

Dirección: Wong Kar Wai. Guión: Wong Kar Wai. Intérpretes: Tony Leung, Maggie Cheung.
Origen: Hong Kong - Francia, 2000.

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La infidelidad como detonante de la pasióm. La imposibilidad de traicionar a aquel para quien ya no importamos. La vida que se decide en un instante. La soledad irrenunciable. La búsqueda incesante del pasado.

No todo lo que viene desde Asia está cargado de niñas greñudas con tortícolis, karatekas voladores o armas ligeras como aviones de papel pero poderosas como una bomba de hidrógeno. Wong Kar Wai nos presenta un demoledor relato de dos seres solitarios, tristes, que ante el desconcierto de saberse engañados por sus parejas, intentan, por un instante, convertirse en lo mismo que detestan.

Pero en cada breve encuentro, en cada espera bajo la lluvia, en cada instante de silencio plagado de dudas y esperanzas, pende sobre nuestras cabezas la certeza de que el amor, la felicidad, el encuentro definitivo de los anhelos de dos amantes, jamás ha de darse.

Indispensable para todos aquellos que detesten la comedias románticas y los "happy endings", In the mmod for love" debe , más que verse, contemplarse como si fuera el paisaje de una tarde de lluvia, visto desde la ventana de una auto que se dirige hacia ninguna parte.

Quizá todos estamos dispuestos a enamorarnos, pero nunca a amar.

La versión de Zafra Video es altamente recomendable, edición con dos dvd y un número significativo de extras.

Audición: Buscando el amor se llega al infierno

Director: Takashi Miike. Guión: Daisuje Tengan (pa' que se entretengan). Fotografía: Hideo Yamamoto. Música: Koji Endo (en serio, así se llama). Intérpretes: Rio Ishibashi, Eihi Shiina, Miyuki Matsuda. Origen: Japón 1999.

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De manera relativamente reciente, los aficionados al cine mexicanos hemos tendio la oportunidad de acceder, principalmente a traves del dvd, a expresiones cinematográficas recientes que en buena medida nos resultaban práctimente desconocidas.

Uno de estos casos es el cineasta japonés Takashi Miike, mismo que a partir del descubrimiento y valoración de su obra por los círculos especializados de Estados Unidos y la edición en dvd de buena parte de sus películas, ha llegado a México si bien de manera relativamente tardía.

Y digo tardía ya que este director se caracteriza por un ritmo frenético en cuanto a la producción de sus filmes. La revisión de su filmografía en la página allmovie.com nos permite identificar que, por ejemplo, e el año 2000 estrenó seis películas. Mientras tanto, aquí en mexicalpan de las tunas, sólo se han editado dos, Una llamada perdida y la que pienso cometar hoy: Audición.

Antes que nada, pienso que la obra de este señor se encuentra especialmente sobrevalorada. Si bien hay hallazgos visuales interesantes, la tendencia excesiva y a veces descarada hacia los momentos "shock", y los persistentes delirios narrativos, hacen que me resulte muy difícil considerar a Miike más allá del equivalente japonés de un director de videohome (¿quieren ver algo de verdad delirante?, consigan con su pirata de confianza "Y tu puta madre también es narca" y "La suburban rosita").

Sin embargo, Audición se cuece aparte. Es el garbanzo de a libra. Es una reflexión sentida y demoledora sobre la búsqueda del amor, sobre las promesas no cumplidas, y la crueldad sin límites del ser humano.

Lo que empieza como un melodrama aparentemente inocuo sobre un hombre entrado en años a la búsqueda de compañía femenina, se transforma, de golpe, en un viaje delirante al infierno, en el cual, y como el protagonista, sólo nos queda presenciar como testigos mudos e inmóviles, la salvaje locura del que se cree engañado.

Quality films editó en México este dvd, pero el transfer, para no variar, presenta serias deficiencias (pixelación, ruido cromático, audio siseante, extras miserables). Sugiero buscar la edición especial en zona 1.

Bob Flanagan: Supermasoquista

Director: Kirby Dick. Participantes: Bob Flanagan, Sheree Rose. Origen: Estados Unidos, 1997 (documental)

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Un servidor fue alguna vez psicólogo, carrera que abandoné a partir del año 1991. Pero 15 años después siguen llegando las preguntas: ¿qué significa soñar esto?, ¿por qué esta persona actúa así?, ¿podrías aplicarme un test para “medir” mi personalidad?, etc. Las preguntas más divertidas suelen ser las que tocan cuestiones de índole sexual, como la de aquel tipo que me preguntó si era un pervertido porque se excitaba al ver defecar a su gato.

Y hablo de las preguntas de índole sexual porque el documental Sick es un acercamiento, hilarante y al mismo tiempo desgarrador, de la vida y muerte de Bob Flanagan, artista de performance (whatever that means), que agobiado desde su nacimiento por la fibrosis quística, encontró en el masoquismo la fórmula para desviar el dolor y la miseria de una enfermedad incurable.

De antología resultan algunas secuencias particularmente aquella en la que Bob atraviesa su pene con un clavo y un martillo, fijándolo a una tabla y, una vez desclavado, dejando gotear la sangre sobre el lente de la cámara.

Lo que más me impresionó de este documental no fue la capacidad de sacudir al espectador con sus imágenes y relatos, sino la mirada compasiva del realizador hacia la vida y el tiempo de Bob. Quizá la mayoría de los que lean esto no estarán dispuestos a ser humillados, golpeados, vejados, colgados, perforados, o penetrados, pero la forma en que el director Kirby nos acerca al sufrimiento particular de un ser humano, nos lleva a reflexionar sobre las múltiples maneras que tenemos de enfrentar nuestras tragedias particulares.

Ni se molesten en buscar este DVD en Mixup o tiendas similares. Mejor acudan con su pirata de confianza y vean este documental acompañados de un six de cerveza. Y no lo presten a nadie, pueden pensar que son unos pervertidos.

Pero al fin y al cabo, ¿quién no lo es?.

Happy Together: La dulce ironía de lo imposible

Dirección: Wong Kar Wai.Guión: Wong Kar Wai. Fotografía: Christopher Doyle.Intérpretes: Tony Leung, Leslie Cheung. Origen: Hong Kong 1997

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I can't see me lovin' nobody but you, for all my life

When you're with me, baby the skies'll be blue, for all my life

Me and you and you and me, no matter how they toss the dice, it has to be

The only one for me is you, and you for me, so happy together

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Antes que nada, no creo que exista un cine con temática homosexual así como tampoco creo que exista un cine con temática heterosexual. Solo puedo creer en la reflexión sobre la múltiples y tortuosas maneras en que se relacionan los seres humanos. Me resisto a etiquetar las películas a partir de las elecciones de los protagonistas.

Digo lo anterior porque esta extraordinaria cinta no es para todos los gustos ya que al abordar los encuentros y desencuentros amorosos de dos hombres puede generar urticaria en sensiblidades machistas e intolerantes.

Sin utilizar una narración lineal, Wong Kar Wai nos presenta una serie de viñetas enmarcadas en un Buenos Aires totalmente ajeno a las postales, en las que se muestra una relación de pareja inmersa en una espiral de reclamos, agresiones, abandonos y desprecio, y que no termina por hundirse del todo.

Esta no es una película gay, es una reflexión irónica, desde el mismo título, sobre la búsqueda del amor y la terrible soledad del ser humano que no puede, no sabe o no quiere resignarse ante la inevitabilidad de la pérdida.

Freaks: los mounstros no están en el circo

Dirección: Todd Browning.Guión: Wiilis Goldbeck, Leon Gordon.Intérpretes: Wallace Ford, Leila Hyams, Olga Baclanova, Rosoco Ates.Origen: Estados Unidos, 1931

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¿Cuantas veces les dije que no se asusten?,¿no les he dicho que Dios protege a todos sus niños?

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Después de muchos años de haber tenido conocimiento de esta película, por fin, y con mi pirata de confianza, pude conseguir una copia prístina de la obra maldita de Todd Browning.

Aborrecida y admirada con la misma vehemencia, Freaks nos lleva al mundo de los “sideshows”, caravanas ambulantes de circo que tenían en la exhibición de seres humanos con deformidades uno de sus principales atractivos.

Browning nos presenta una historia trágica de deseo entre aquellos que son “deformes” y los mal llamados seres humanos “normales”. La pasión que despierta una trapecista en un hombre pequeño es el punto de partida para presentarnos un puñado de seres que, con distintos niveles de incapacidad, hacen de su tragedia la única forma de sobrevivir.

Pero los monstruos no son ellos. Por medio de una serie de viñetas nos es posible acercarnos al mundo de estos personajes en el que las emociones y deseos de cada día son idénticas a las tuyas y las mías. Los monstruos son aquellos que los desprecian, explotan y, por último, abandonan a su suerte.

La versión en dvd es obligatoria ya que incluye, además de dos finales alternativos, una retrospectiva sobre la creación del film con la participación de dos de los protagonistas. No se ha editado en México, por la que versión bucanera es obligatoria.

1984: La vigencia de la pesadilla

Director: Michael Radford.Guión: Michael Radford. Intérpretes: John Hurt, Richard Burton, Suzanna Hamilton.Fotografía: Roger Deakins.Música: Eurythmics.Origen: Reino Unido, 1984

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Quien controla el pasado, controla el futuro.
Quien controla el presente, controla el pasado.

Para el pasado, o para el futuro, para la época en que se pueda pensar libremente. Desde la edad del Gran Hermano, desde la edad de la Policía del Pensamiento, de un hombre muerto, ¡saludos!

Existe la verdad y lo que no es verdad. La libertad es poder decir libremente que 2 más 2 son 4. Si se asegura, le seguirá lo demás.

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En múltiples ocasiones se ha debatido por parte de gente muy sabia con respecto a la prudencia, impertinencia o franca desvergüenza en cuanto a la adaptación a la pantalla grande de las obras literarias, por mi parte no deseo abonar a esas discusiones ya que considero por demás inútil discutir con un fanático obsesivo-compulsivo con respecto a como cineastas sin alma han destrozado sus bienamadas lecturas (por ejemplo, la adaptación de El Señor de los Anillos causó la ira de más de un fanático de Tolkien).

Pero en fin, hoy quiero comentarles que, después de un buen rato de búsqueda infructuosa, tuve la oportunidad de conseguir una copia de 1984, cinta de Michael Radford en la que adapta la novel de George Orwell.

Tuve la oportunidad de ver esta cinta en la ahora extinta sala de cine del Instituto Cultural Cabañas en 1985. En su momento fue una experiencia impactante ya que, por fin, me había tocado presenciar una adaptación que, sin replicar cada uno de los personajes, ambientes y situaciones de la novela, creaba un mundo de pesadilla, ominoso y depresivo en el que solo es posible la lealtad al partido y el amor al Gran Hermano.

Para los que se sienten ofendidos si no cuentan con una breve descripción de la trama de la película, les cuento que esta película está situada en unaciudad de Londres arrasada por una guerra atómica y en la que un estado totalitario y represivo vigila permanentemente a los ciudadanos por medio de pantallas de televisión. El personaje principal es Winston (John Hurt), un tipo solitario y agobiado por la culpa que se cuestiona, mediante la escritura de un diario, el significado de la libertad, cuestionándose el por que se encuentran prohibidos la libertad de pensamiento y el sexo. Involucrándose en una relación amorosa prohibida con una compañera de trabajo, Winston emprende un descenso al infierno de la mano de uno de los altos mandos del partido y que lo llevará a traicionar aquello en lo que alguna vez creyó.

Raramente un proceso de adaptación a imágenes puede hacerle justicia a la palabra escrita, y es que nada puede compararse al poder de las ideas, y sin embargo, esta adaptación es, por lo menos para mi, la mejor transposición de una obra literaria a la pantalla grande.

22 años después, en un mundo en el que se exige fidelidad a figuras políticas endebles y ridículas, 1984 no ha perdido ni un ápice de su vigencia y, por lo tanto, es referencia obligada para todo aquel que mire con suspicacia a la política y sus actores.

Y no solo a ellos, ¿Cuántos de nosotros no hemos tenido que guardaromitirolvidar nuestras opiniones en el contexto de la chamba? . Por lo menos en mi estancia en cierta institución me ha tocado estar en situaciones en las que sólo ha sido válida la opinión de los jefazos, por más absurda, incoherente, irracional, delirante, insostenible, o simplemente estúpida que esta sea.

En el contexto institucional, tener opiniones propias me ha llevado a ser una nopersona.